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El
cine en el siglo XXI
©Enrique
Martínez-Salanova Sánchez |
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El
puntero de don Honorato/Bibliografía
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Explicaciones
Dada la dificultad de hacer historia con tan
escasas perspectivas y los pocos años que llevamos pasados del siglo
XXI, en esta página iré plasmando una serie de reflexiones y algunos
enlaces que remitirán a otros lugares del sitio, en el que sí actualizo
constantemente el cine que se realiza en el siglo XXI.
Todos los aspectos y temas tratados en este sitio,
Cine y educación,
son constantemente actualizados, por lo que el cine del siglo XXI está
presente en todos ellos.
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El cine camina hacia lo
digital
Aunque fue en la última década del
siglo XX cuando el cine inició su proceso imparable hacia lo digital es
en el siglo XXI cuando se perfila, que en los próximos 20 años el cine
sea totalmente digital.
Tron (1982), fue la primera película
con efectos digitales, después siguieron las grandes superproducciones
que hicieron uso extensivo de la tecnología digital, como Star Wars o
Matrix, y Pixar, que la utilizó totalmente en alguna de sus
producciones. Hoy se trabaja e investiga sobre dicha tecnología, en el
intento de que en unos años todas las salas de exhibición dispongan de
proyectores digitales (los proyectores digitales capaces de una
resolución de 2048 píxeles horizontales comenzaron a desarrollarse en
2005 y su avance es cada vez más acelerado), y se pueda filmar en
digital con las mismas calidades en todos los aspectos que en el cine
analógico.
Directores como George Lucas, James
Cameron, Robert Rodríguez, David Fincher, David Lynch o Lars von Trier,
utilizan ya los sistemas de alta definición mientras otros directores,
Steven Spielberg, Martin Scorsese, Quentin Tarantino, Tim Burton, Ridley
Scott u Oliver Stone, siguen prefiriendo el soporte analógico, pues el
debate se encuentra aún entre las dos modalidades: cine digital o
celuloide. Para unos, los detractores, el cine digital supone otra clase
de experiencia visual totalmente distinta al cine grabado químicamente y
proyectado mecánicamente. Muchos directores, aún contarios o reticentes
al cine digital, ruedan sus últimas películas con cámaras digitales,
puesto que no pueden asumir los costes del analógico, y más tarde las
pasan al celuloide. He hablado con algunos montadores, expertos en la
moviola, que afirman que el celuloide da una calidad y una vida a lo
filmado que el cine digital está lejos de lograr.
Lo cierto es que el avance del cine
digital parece ya una evolución imparable y en el futuro se asistirá a
la digitalización casi total de cine y televisión.
Las cámaras digitales permiten una
posproducción mucho más flexible y menos costosa que el cine analógico,
se puede ver en el momento los resultados sin necesidad de esperar el
revelado, poseen cada día una mayor resolución y existe un mayor control
sobre la colorimetría. Cierto es que los sistemas de filmación y
revelado analógicos permiten resultados creativos diferentes, tanto
durante la filmación como en el proceso químico de revelado, y los
buenos cineastas le sacan un gran partido, en contra de la única
respuesta que el cine digital tiene a la luz, por lo que hace más
compleja la iluminación.
Algunos directores han optado por
elegir la mejor opción para cada caso, usando el vídeo digital para las
grabaciones nocturnas y en interiores y el tradicional analógico para
exteriores de día, por ser las digitales más sensibles a la luz. |
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En tierra de nadie
Cartas desde Iwo Jima
Banderas de
nuestros padres
Agua
Tierra |
Cuando el cine rompe estereotipos.
Este aspecto está desarrollado en
Encuentro de culturas en el cine
Para que las relaciones interculturales
empiecen a tener distinto perfil, es necesario luchar contra prejuicios y
estereotipos, y el cine es un medio eficaz que contribuye a ello, pues una
película va más allá de su propia historia y del lenguaje cinematográfico y
técnicas con la que está realizada (Castiello, 2001)
Una interesante película,
Cruzando el polvo (Crossing The Dust, 2006), del director
kurdo Shawkat Amin Korki, narra una historia en el contexto de la invasión
norteamericana de Irak en 2003, cuando un niño árabe, llamado Saddam, de
cinco años se pierde en el fragor de la guerra. Dos soldados kurdos que
lucharon contra las tropas de Saddam Hussein le encuentran entre el caos de
la contienda. Uno de ellos, alegre y optimista, quiere devolverlo a su
familia, el otro, prefiere dejarlo a su suerte. Es un acercamiento a los
conflictos internos que generan los combates y una aproximación al
acercamiento cultural desde la sencillez de las historias personales. El
director dice de su película que anima a todas las personas a «dejar de lado
todo el odio que sienten, fruto de su propio sufrimiento y de las guerras
que han vivido, y a que siempre vean la parte noble de los seres humanos, a
que digan no a la guerra, a los prejuicios raciales y sociales, a que tengan
una mirada nueva, optimista y pura hacia los demás».
En tierra de nadie
(Ničija Zemlja, 2001), del director bosnio Danis Tanović se muestra,
en una dura crítica contra el salvajismo de la guerra y de los conflictos
interculturales, cómo dos soldados de dos bandos diferentes, uno bosnio y el
otro serbio, en pleno conflicto de las Balcanes, se encuentran atrapados en
una trinchera entre sus respectivas líneas, en tierra de nadie, durante la
guerra de Bosnia de 1993. Mientras intentan salir de su situación, un
sargento de los cascos azules de las Naciones Unidas les ayuda en contra de
las órdenes de sus superiores, provocando un show mediático de carácter
internacional. Entre otros premios ganó ese año el Oscar a la Mejor película
habla no inglesa, en Cannes el Premio Mejor Guión y en San Sebastián el
Premio del Público.
Un solo director, Clint
Eastwood, en 2006 ha realizado dos películas,
Cartas desde Iwo Jima
(Letters
From Iwo Jima) y
Banderas de
nuestros padres
(Flags
of Our Fathers), exponentes de un cine bélico de reflexión, que busca en
cada uno de los films una mirada diferente, cada película narra la misma
historia desde el bando contrario, los sufrimientos y sentimientos
de los contendientes en una misma batalla, la de Iwo Jima, en la II Guerra
Mundial, en la que ambos bandos están imbuidos con la creencia de que es
necesario defender su propia civilización, amenazada por otra.
A las cinco de la tarde
(Panj é asr, 2003), película dirigida por la iraní Samira Makhmalbaf,
presenta Afganistán tras la caída del régimen talibán, cuando se reabrieron
las escuelas para las mujeres. La directora intenta entender, tanto al padre
de la protagonista, partidario de los talibanes y su cultura, como a su
hija, una niña que quiere estudiar, que está en contra de esta manera de
pensar. La película pretende entender y mostrar el misterio de la recesión
de la región y la guerra camuflada que existe entre las dos generaciones, al
igual que las diferencias que existen entre hombres y mujeres.
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Profesora:
Todas las alumnas deberían llevar uniforme negro y pañuelo blanco. Noqreh,
¿Por qué llevas un vestido de color?
Noqreh:
Señorita, si llevara uniforme mi padre no me dejaría venir.
Profesora: ¿Por qué?
Noqreh:
Piensa que las chicas no deberían estudiar.
(De la película iraní A las cinco de
la tarde (Panj é asr, 2003), de Samira Makhmalbaf) |
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En la película
Agua
(Water,
2005), de la directora hindú Deepa Mehta, se muestran los conflictos entre
generaciones en lo cultural e ideológico. Por causas de fanatismo,
incomprensión y negación del diálogo, fue de rodaje complicado. En la India
no pudo rodar, debido a las amenazas de ciertos grupos fundamentalistas y
debió hacerlo en Sri Lanka. Una niña de 8 años es obligada a casarse con un
anciano. Viuda ya, encuentra su camino al enamorarse de un activista de
Ghandi, de casta superior. Se narra con eficacia el choque de culturas y su
superación dentro de un mismo entorno.
Un film como Tierra,
Earth, de Deepa
Mehta (India, 1998), provoca en el espectador la pregunta: ¿por qué las
personas que conviven en paz se vuelven unas contra otras?, al narrar cómo
en 1947 estallaron las revueltas entre pakistaníes e hindúes y el cambio que
sufrieron varios amigos pertenecientes a diferentes culturas. |
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La revolución de la imagen. «Performance
capture»
La «Performance Capture» es un avance
recientes de las técnicas de captura de imagen por ordenador. Se podría
traducir como captura de la interpretación, cuando la «Motion Capture»,
el sistema anterior, en el que se basa, era la captura de algunos
movimientos del cuerpo.
Ambas son técnicas que capturan
movimientos de los intérpretes, muy utilizadas en el terreno de los
efectos visuales. Hasta ahora, en la MC el actor se ponía un traje con
sensores que capturaban sus movimientos y los aplican en su modelo
tridimensional generado por ordenador.
Pero ahora además se ha conseguido
capturar la gesticulación facial del actor a través de 150 sensores
colocados sobre su rostro, que captan los tics y pequeños detalles que
hacen la interpretación de un actor distinta a la de otro Aunque no
registra el 100% de lo que el actor quiere transmitir, es un gran avance
con respecto a la MC, pues lo que se está capturando es realmente la
interpretación de un actor, los movimientos de sus músculos, sus muecas,
todo y en 3D, y no sólo el movimiento general del cuerpo para servir de
base a la animación.
Polar Express,
The Polar Express, realizada en 2004 por Robert Zemeckis, es la primera película rodada totalmente mediante el
sistema «performance capture» , un avance sobre la «Motion Capture». A
partir de ella se han realizado varias: la nominada a los Oscar a la
mejor película de animación Monster House, Beowulf.
El equipo formado por Robert Zemeckis,
Jack Rapke y Steve Starkey ha unido sus fuerzas a las de los Estudios
Walt Disney y se ha creado una nueva productora de películas basadas en
la tecnología «performance capture».
Los actores tienen ciertas
desventajas al actuar, ya que no disponen ni de vestimenta ni de atrezzo
o herramientas que le ayuden en su interpretación. Esta desventaja ya
existía antes de la MC, concretamente cuando se rodaban secuencias de
efectos visuales y el actor debía interpretar delante de una pantalla
azul, sin conocer el escenario o el monstruo contra el que se
enfrentaba.
La diferencia esencial es que, en
contraste con una película convencional, en la que al final del día el
director tendría sólo lo que se había rodado de esta manera para sus
copiones, con la «performance capture» tiene la libertad de cambiar de
opinión en cualquier momento, volver al material original y revisar
completamente su punto de vista. Todas las tomas posibles, desde todos
los ángulos y profundidades posibles, continúan existiendo en cada
decorado virtual.
«Pero todas las expresiones están
realizadas por los actores humanos», aclara Zemeckis. «Nadie anima eso.
El ordenador no crea la interpretación, lo hacen los actores. El
ordenador simplemente coge la interpretación y le pone alrededor una
piel cinematográfica».
Esta forma de hacer cine permite hacer
cualquier cosa. El único límite es la imaginación del realizador,
pues se puede crear literalmente cualquier imagen. Con esta técnica se
ha rodado Beowulf, 2008, también por
Zemeckis y Tim Burton prepara durante 2009 su versión de
Alicia en el País de las Maravillas
y Spielberg y Jackson una serie de dos películas sobre
Tintín.
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Polar Express.
The Polar Express
2004. EEUU. 99 min.
Dirección: Robert Zemeckis
Doblaje original: Tom Hanks (Chico, El padre del chico, El revisor, El
vagabundo, Santa Claus), Michael Jeter (Smokey y Steamer), Peter
Scolari (Chico solitario), Nona Gaye (Chica heroína), Eddie
Deezen (Chico sabelotodo), Charles Fleischer (General elfo).
Guión: Robert Zemeckis y William Broyles; basado en el libro infantil de
Chris Van Allsburg.
Producción:
Robert Zemeckis, Steve Starkey, Gary Goetzman y William Teitler.
Música:
Alan Silvestri.
Fotografía: Don Burgess y Robert Presley.
Montaje: Jeremiah O'Driscoll y R. Orlando Duenas.
Sinopsis:
Faltan cinco
minutos para la medianoche. De repente, un atronador estruendo
sobresalta a un niño que está esperando a Santa Klaus en
nochebuena. Un tren negro frena estruendosamente justo delante
de su casa. El niño sale corriendo, vestido sólo con un pijama y
unas zapatillas, y es recibido por el revisor del tren que
parece estar esperándole. «Bueno, ¿vienes?», pregunta el
revisor. «¿Adónde?» «Al Polo Norte, por supuesto. ¡Éste es el
Polar Express!» |
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El cine de los países con mayores
necesidades
En este siglo, los países de escasos
recursos, en parte gracias al cine digital, pero sobre todo por la necesidad
de expresar sentimientos y carencias, realizan un cine, muy cotizado en
occidente por su calidad y por la diversidad de temas con los que se
enfrenta, tan diferentes a los de los países ricos. En una gran parte de las temáticas
elegidas por países pobres para hacer su cine, coexisten pacíficamente
culturas diversas, presentando sus propios problemas, sus dificultades de
convivencia y su necesidad de emigrar para subsistir. En los productos de
este tipo de cine se muestran con frecuencia temas de la emigración,
internas, éxodo rural y llegada a la ciudad, o externas, que buscan el sueño
del trabajo y del bienestar en países lejanos y las dificultades que tienen
para su integración en ellos.
Son los países pobres los que mejor
reproducen la necesidad de la convivencia cultural. Una película como
Petirrojo (2006), iraní, es un canto a la coexistencia entre religiones
y etnias, una metáfora de las normales relaciones entre grupos de diferentes
creencias que conviven en un remoto paraje de Irán, con sus desavenencias,
tragedias, conflictos grandes y pequeños. Mereció el Premio Especial del
Jurado en 2007, en Madrid, en el Festival internacional de cine para la
infancia y la juventud.
Este cine, cada vez más visto y valorado
en Occidente, abre la puerta para conocer elementos de las culturas en su
origen y permite adentrarse en sentimientos, dramas, opiniones o diferentes
ideologías. La imagen sirve así, en algunos casos como denuncia, otras veces
aporta datos sobre una determinada cultura o sirve como iniciación –o
soporte en una investigación etnográfica- de una línea de investigación.
Un dato. En Nigeria (Nollywood): se
realizan 1.200 películas al año, todas en video. Aunque es un
cine de muy baja calidad, es la tercera cinematografía del
mundo, por detrás de Hollywwod y Bollywood. África es un
continente a descubrir, pero nunca lo descubriremos porque no
llega a las salas comerciales de occidente, con narraciones
ajenas, lejanas, difíciles, controvertidas, que molestan porque
muestran un mundo de pobreza, de miseria que amenaza la
tranquila vida burguesa que se lleva en la parte rica del mundo.
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La teta asustada
2008. España y Perú. 94 min.
Dirección y
guión: Claudia Llosa.
Música:
Selma Mutal.
Fotografía:
Natasha Braier.
Montaje:
Frank Gutiérrez.
Dirección
artística: Patricia Bueno y Susana Torres.
Vestuario:
Ana Villanueva.
Interpretación: Magaly Solier (Fausta), Susi Sánchez (Aída),
Marino Ballón (tío Lúcido), Efraín Solís (Noé), Bárbara Lazón
(Perpetua), María del Pilar Guerrero (Máxima), Delci Heredia (Carmela),
Karla Heredia (Severina), Fernando Caycho (Melvin), Edward Llungo
(Marcos).
Sinopsis:
Fausta (Magaly Solier) padece de «La
teta asustada», una enfermedad que se transmite por la leche materna de
mujeres maltratadas durante la gestación y la lactancia en la época del
terrorismo en el Perú. Los infectados nacen sin alma, porque del susto
se escondió en la tierra, y cargan un terror atávico que les aísla por
completo.
Un terror atávico que se
transmite de generación en generación y que Fausta sufre en forma de
hemorragias nasales en momentos de crisis. La joven, además, guarda un
secreto que no quiere revelar hasta que la súbita muerte de su madre, a
la que debe llevar por una promesa a su
pueblo natal,
la obligará a encontrar una salida al laberinto,
dentro y fuera de ella, lo que desencadena
hechos inesperados que transformarán
su vida y la de otros.
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El color del paraíso, Irán
Ni uno menos, China
La boda de Tuya, China,
2006
Madame Brouette, Senegal, 2002
La pizarra, Irán, 2000
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El cómic en el cine desde
el 2000
El avance en los efectos especiales
ha llevado al cine multitud de cómics, aunque se siguen realizado con
los métodos más tradicionales, sin renunciar a ninguna tecnología.
Marvel Comics ha reivindicado en el siglo XXI a muchos de sus
superhéroes que habían fracasado en el intento de pasar a la pantalla
grande. Las cuatro entregas de X-Men,
en el 2000 y en el 2003, dirigidas por Bryan Singer, la de 2006,
dirigida por Brett Ratner,
en las que los héroes se enfrentan a
su enemigo Magneto, y la que prepara Gavin Hood, 2009, sobre la
infancia y juventud de Magneto.
La saga de
Spider-Man de Sam Raimi,
2002 y 2004 y 2007, inspiradas
en el cómic homónimo creado por Stan Lee y Steve Ditko en 1962, de las
que se espera otra para 2011,
conservan la mayor cantidad de
detalles fiel al cómic.
Sin City
(2005), dirigida por Frank Miller y Robert Rodriguez
y 300 (2006),
dirigida por Zack Snyder,
a partir de obras de Frank Miller, esperan sus secuelas. Frank Miller ha
dirigido en 2008 la adaptación de The Spirit,
el cómic de Will Eisner de los años 40.
Hellboy
(2004) y
Hellboy 2: the golden army
(2008), son películas de
género sobrenatural estadounidense, dirigidas por el mexicano Guillermo
del Toro, basada en el cómic Hellboy, de Mike Mignola,
Hulk
(2003), sobre el gigante verde Hulk, dirigida por Ang Lee,
Los 4 Fantásticos (2005 y
2007), de Tim Story, brillaron en los efectos especiales. Thomas Jane se
convirtió en el nuevo y vengativo Frank Castle en
The Punisher (2004) que sólo buscaba destruir a un
malvado John Travolta, y Ghost Rider
(2007), interpretado por Nicolas Cage, pasó sin pena ni
gloria por las pantallas.
Otras películas han sido
La Liga de los Hombres Extraordinarios,
The league of extraordinary gentlemen,
de Stephen Norrington, en
2003, Catwoman (2004), de
Pitof,
V de
Vendetta (2006), de James
McTeigue, Superman returns
(2005), de Bryan Singer
y Batman Begins,
de Cristopher Nolan (2006),
que despertaron nostalgia en millones de espectadores.
En el cine de humor, Las
aventuras de Mortadelo y Filemón, el famoso cómic español de
Francisco Ibáñez, han sido llevadas al cine con toda espectacularidad en
los efectos especiales por Javier Fesser,
La gran aventura de Mortadelo y Filemón, en 2003 y
por Miguel Bardem, Mortadelo y Filemón.
Misión: salvar la Tierra, en 2008. Y Asterix no podía
quedarse atrás:
Astérix y Obélix: Misión Cleopatra,
dirigida por Alain Chabat en 2002, Astérix y
los vikingos, Astérix et les
vikings, un largometraje animado coproducido por Francia
y Dinamarca en 2006 con dirección de Stefan Fjeldmark y Jesper Møller y
Astérix en los juegos olímpicos,
Astérix et Obélix aux Jeux Olympiques,
una co-producción alemana, española, francesa e italiana, de Frédéric
Forestier y Thomas Langma realizada en 2008.
No quiero olvidar, por su interés y
la sencillez de la realización, lejana a todo efecto especial, el film
Persépolis, 2007, que lleva
al cine el cómic del mismo nombre
de Marjane Satrapi,
dirigido por la
misma autora del cómic y
Vincent Paronnaud, la autobiografía de Marjane, cuando con nueve
años crece en el Irán de la Revolución Islámica. Vulnerable y sola en un país extraño, resiste los malos tragos
típicos de un adolescente. Además, Marjane tiene que combatir el
hecho de ser equiparada con el fundamentalismo religioso y el
extremismo de los que tuvo que huir.
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300, de
Zack Snyder
A mi parecer, una de las
películas más significativas de lo que llevamos de siglo, en
referencia al cómic y al cine, es
300, película de
Zack Snyder,
producida en EE.UU. en 2006
sobre la defensa de los espartanos del desfiladero de la
Termópilas, basada en
la novela gráfica de Frank
Miller y Lynn Varley,
una muy libre adaptación de la narración de Heródoto sobre las
Guerras Médicas y, en concreto, la batalla de las Termópilas. En
su condición de adaptación de un cómic
300 no pretende reflejar datos históricos y
arqueológicos, aunque presenta con gran fidelidad lo que
debieron ser esos días tensos en los que los espartanos
intentaron hacer lo imposible y resistir con todas sus fuerzas
al avance persa. Zack Snyder ha querido conservar el estilo del
cómic original, huyendo del realismo y de la apariencia
fotográfica, creando un ambiente diferente, más parecido al
sueño y a la estética del cómic original.
La película ha sido rodada en
su totalidad utilizando pantalla azul o verde, los actores
trabajaron siempre sin ver los decorados que se realizaron
posteriormente por ordenador y en animación 3D. Se respetó el
cromatismo original del cómic, para lo que hubo que inventar un
nuevo proceso de coloración, que recibió el nombre de
aglomeración. Cada imagen de
la película pasó por un proceso de retocado y la mayoría de los
planos del film lleva
efectos especiales. |
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Recuperar la memoria:
Ari Folman con el documental
Vals con Bashir
Vals con Bashir.
Waltz with Bashir
2008.
Israel, Francia y
Alemania. 90 min.
Dirección y guión:
Ari Folman.
Producción: Yael Nahlieli, Serge Lalou, Gerhard Meixner y Roman Paul.
Música:
Max Richter.
Montaje:
Nili Feller.
Dirección artística:
David Polonski.
Sinopsis:
Una noche en un bar, un viejo amigo cuenta al director Ari que tiene
una pesadilla recurrente en la que le persiguen 26 perros. Cada noche,
el mismo número de animales. Los dos hombres llegan a la conclusión de
que tiene que ver con una misión que realizaron para el ejército israelí
durante la primera guerra con el Líbano a principios de los años
ochenta. Ari se sorprende ante el hecho de que no recuerde nada de ese
periodo de su vida. Intrigado, decide ver y hablar con viejos amigos y
antiguos compañeros dispersados por el mundo entero. Necesita saber la
verdad acerca de ese periodo y de sí mismo. Ari escarba cada vez más y
sus recuerdos empiezan a reaparecer mediante imágenes surrealistas...
Candidato al Oscar 2009 como mejor
película extranjera.
Globo de Oro 2009
a la mejor película de habla no inglesa
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Ari Folman
recupera su memoria y la de su país
Ari Folman narra, en clave
autobiográfica, la matanza sucedida en los campos de refugiados
palestinos de Sabra y Chatila durante la guerra del Líbano. El
filme recupera los acontecimientos ocurridos el 16 de septiembre
de 1982, cuando tropas falangistas cristianas, ayudadas por el
ejército israelí, penetraron en Sabra y Chatila y asesinaron a
unos 3.000 civiles palestinos, aunque todavía hoy las cifras
exactas de la masacre continúan siendo motivo de controversia.
«Me di cuenta de que, a pesar
de haber formado parte de los acontecimientos, no recordaba
absolutamente nada de ese período de mi vida», comentó el
director, quien comenzó a hablar por primera vez sobre lo
sucedido hace seis años, cuando quiso abandonar la reserva del
ejército israelí.
Para dejar de formar parte de
esta reserva, a la que todo hombre israelí debe pertenecer hasta
los 50 años, según ha explicado Folman, «hay que someterse a un
tratamiento psicológico del ejército. Durante ocho sesiones
intenté recuperar los recuerdos de mi experiencia en el Líbano,
después comencé a hablar con amigos y familiares y descubrí que
nadie hablaba de esa guerra, porque no fue nada heroico». Inició
el proyecto de Vals con Bashir para «rellenar todos esos
agujeros negros que tenía en la memoria». |
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El cine en 3D abre nuevos caminos
(Ver: Cine y 3D)
El cine se reinventa constantemente
para llenar las salas de espectadores, se proponen y comercializan
nuevas tecnologías, y, lo que en ocasiones no tiene el guión se suple
con efectos especiales. El cine en tres dimensiones, que ya surgió en
varios momentos de la historia, revive en con nuevos estímulos visuales
para competir con el pirateo de películas y la pereza de muchos
espectadores de acudir a las salas cinematográficas. Lo positivo es,
que se siguen investigando y aplicando nuevas técnicas digitales y, en
buenas manos cinematográficas, pueden producirse magníficos productos.
El objetivo de productores y cineastas es ofrecer una experiencia
espectacular, que hipnotice al espectador y que sea una sensación que
difícilmente puede vivirse en el sofá de casa o en la pantalla del
ordenador.
A pesar de que la
reconversión de las salas para el
nuevo sistema digital en 3D es de precio muy elevado, el cine 3D abre un
nuevo camino. Algunas de las películas ya exhibidas, has superado hasta
el momento, como Avatar, todos los
record de taquilla. Disney, por ejemplo, está preparando nuevas
versiones de sus clásicos en 3D.
Películas significativas son:
Monstruos
contra alienígenas, Monsters vs. Aliens, 2009, de Rob
Letterman y Conrad Vernon, de la factoría Dreamworks
UP,
de Pete Docter, 2009, producida por Disney y Pixar
Avatar,
de James Cameron, 2009.
Cuento de navidad, A Christmas carol,
de Robert Zemeckis, 2009, producida
por Disney
Alicia en
el País de las Maravillas, Alice in Wonderland, 2010, de
Tim Burton.
Avatar
Alicia en el país de las
maravillas |
Monstruos contra
alienígenas
Up
Avatar
Cuento de navidad
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La invención de Hugo.
El sueño del cine
La invención de Hugo. Hugo (Hugo Cabret)
EEUU.
2011.127 min. 3D
DIRECTOR. Martin Scorsese
GUIÓN.John
Logan, basado en el texto de Brian Selznick
MÚSICA. Howard Shore
FOTOGRAFÍA. Robert Richardson
REPARTO. Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron
Cohen, Jude Law, Emily Mortimer, Michael Stuhlbarg, Ray Winstone,
Christopher Lee, Richard Griffiths, Helen McCrory, Frances de la Tour
PREMIOS
2011.
Oscars: 5 premios técnicos. 11 nominaciones, incluyendo mejor película y
director
2011:
National Board of Review: Mejor película y mejor director
2011:
Globos de Oro: Mejor director. 3 nominaciones, incluyendo Mejor película
dramática
2011:
Premios BAFTA: Mejor diseño de prod. y sonido. 9 nom, incluyendo mejor
director
2011:
Critics Choice Awards: Mejor dirección artística. 11 nominaciones
2011:
Satellite Awards: Mejores efectos visuales. 5 nomin., incluyendo mejor
película
2011:
Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor diseño de producción
2011:
Nominada Premios David di Donatello: Mejor película extranjera
SINOPSIS
París, años
30. Hugo (Asa Butterfield) es un niño huérfano, relojero y ladrón que
vive entre los muros de una ajetreada estación de trenes parisina. Nadie
sabe de su existencia hasta que le descubre una excéntrica niña (Chloë
Moretz) junto a la que vivirá una increíble aventura.
Adaptación de la novela con
ilustraciones de Brian Selznick, es una fábula contada desde las mismas
entrañas del cine, el nacimiento del cine, con Méliès.
Copio una crítica
de Miguel A. Delgado
“La invención de Hugo” es un regalo
para todo amante del cine. Martin Scorsese obra el milagro y firma una
obra maestra que nos devuelve la fascinación por los comienzos del cine
de la mano de Georges Méliès.
Reconozcámoslo: a los que, en mayor
o menor medida, nos dedicamos a hablar o a escribir de cine, nos resulta
cada vez más difícil que una película verdaderamente nos ilusione. Sí,
podemos destacar algo, sentirnos gratificados y encontrar motivos para
recomendar una cinta. Pero esa conmoción interna, esa fibra sensible que
nos remite a las primeras impresiones, cuando nos sentábamos en una sala
oscura y lo que aparecía en la pantalla literalmente nos transportaba…
Bien, esa impresión, tan frecuente cuando comenzamos a amar el cine,
seguramente cuando éramos niños y a veces por títulos que ni siquiera lo
merecían, simplemente se desvanece. En eso también nos hacemos mayores.
“La invención de Hugo” es aventura,
y es a la vez el regalo de entrar en el estudio de Georges Méliès
mientras éste filmaba sus películas abracadabrantes, quizá sin imaginar
que entre sus cuatro paredes empezaba todo, en comunión con un puñado de
visionarios repartidos por todo el mundo. Y también es el regalo de
asistir a un desfile de personajes y escenarios similares a los de
nuestros sueños cuando aún aspirábamos a ser inocentes: la librería del
señor Labisse —un Christopher Lee capaz de dejar que su grave e
intimidatoria voz se tiña de ternura—, la Biblioteca de la Academia del
Cine, los juguetes mecánicos y las máquinas estropeadas siempre tan
tristes.
Y sobre todo, es la mirada de dos
niños, los azulísimos ojos de un Asa Butterfield que parece sacado de
las páginas del mejor Charles Dickens, la radiante luminosidad de una
Chloë Grace Moretz que tiene verdadera madera de estrella ¿Quién no se
dejaría arrastrar por Hugo Cabret? ¿Quién no se sentiría identificado en
su obstinación por encontrar la razón de por qué está aquí? Y si todo lo
contemplamos desde la esfera de un gran reloj que tiene París a sus
pies, una estación en la que nada importa a dónde vas o de dónde llegas,
te rodea la bellísima partitura de Howard Shore y te interroga la mirada
de un autómata extrañamente sabio, llegamos a la conclusión de que,
desgraciadamente, tardaremos en sentir la misma emoción con otra cinta.
Eso, de hecho, es lo único malo que puede decirse de este gran regalo de
quien, lejos de despachar un encargo, nos ha obsequiado con una obra
maestra". |
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Cine artesanal animado en el siglo XXI
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Arrugas
España.
2011. 80 min.
DIRECTOR.
Ignacio Ferreras
GUIÓN.
Ángel de la Cruz,
Paco Roca, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini (Cómic:
Paco Roca)
MÚSICA: Nani
García
PREMIOS
2011: 2
Premios Goya: Mejor película de animación y
mejor guión adaptado
2011:
Premios Annie: Nominada a Mejor película
2012:
Festival de Annecy: Distinción especial (2º
mejor largometraje)
2012:
Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor
película de animación
2012:
Festival de Ottawa: Gran Premio al Mejor
largometraje de animación
SINOPSIS.
Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un
geriátrico se hacen amigos. Emilio, que padece
un principio de Alzheimer, cuenta inmediatamente
con la ayuda de Miguel y otros compañeros que
tratarán de evitar que vaya a parar a la planta
de los desahuciados. Su disparatado plan tiñe de
humor y ternura el tedioso día a día de la
residencia, pues para ellos acaba de empezar una
nueva vida. Largometraje de animación 2D para
adultos, basado en el cómic homónimo de Paco
Roca (Premio Nacional de Cómic 2008). |
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Un gato en París. Une vie de chat (A Cat in
Paris)
Francia-Holanda-Suiza-Bélgica. 2010. 70 min.
DIRECTOR.
Jean-Loup Felicioli, Alain Gagnol
GUIÓN. Alain
Gagnol, Jacques-Rémy Girerd
MÚSICA. Serge
Besset
PREMIOS
2011: Oscar:
Nominada a Mejor largometraje de animación
2011:
Premios del Cine Europeo: Nominado a Mejor
largometraje de animación
2011:
Premios Annie: Nominada a Mejor película
SINOPSIS.
Dino es un gato que lleva una doble vida. De
día, vive con Zoé, la única hija de Jeanne, una
comisaria de policía. De noche, en cambio, se
pasea por los tejados de París con Nico, un
avezado ladrón. Jeanne no puede más: no sólo
tiene que perseguir al intrépido compañero de
Dino, autor de varios robos de joyas; sino que
además debe vigilar el Coloso de Nairobi, una
gigantesca estatua codiciada por Víctor Costa,
el culpable de la muerte de un policía, marido
de Jeanne y padre de Zoé, encerrada desde
entonces en un mutismo total. Los sucesos se
precipitan la noche en que Zoé sorprende a Costa
y su banda. Se inicia entonces una persecución
hasta los tejados de la catedral de Nôtre-Dame.
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