El cine de animación

©Enrique Martínez-Salanova Sánchez

El cine de animación

Diversos tipos de animación

La prehistoria de la animación, la animación antes del cine

Los pioneros de la animación cinematográfica

La consolidación del cine de animación

El cine de animación tras la Segunda Guerra Mundial

Walt Disney

Norman McLaren y el El National Film Board of Canada

Jiri Trnka y el estilo checo 

Garbancito de la Mancha, cine español de la posguerrra

La animación hasta 1980

El cine de animación en occidente en las últimas décadas

La animación japonesa y su influencia temática

Hayao Miyazaki

El camino del cine digital actual de animación

Dreamworks (SKG)

 Pixar/Disney

La industria española del dibujo animado

La animación actual en televisión

El documental animado 

El cine de animación

La animación es la técnica que da sensación de movimiento a imágenes, dibujos, figuras, recortes, objetos, personas, imágenes computerizadas o cualquier otra cosa que la creatividad pueda imaginar, fotografiando o utilizando minúsculos cambios de posición para que, por un fenómeno de persistencia de la visión, el ojo humano capte el proceso como un movimiento real. Según el animador norteamericano Gene Deitch, «animación cinemática es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de la persistencia de la visión en la persona.»

Mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real (24 imágenes por segundo), en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad (desde 24 hasta 8 imágenes por segundo).

Con la invención del paso de manivela, Chomón estableció los principios fundamentales de la animación. Mas tarde Cohl los aplicó al campo gráfico, y estableció las bases de lo que con los años se convertiría en la poderosa industria de los dibujos animados. McCay dio al dibujo animado la técnica básica con la que se ha mantenido hasta el presente, pues los principios de la animación en papel, en acetato o por ordenador, la forma técnicamente más avanzada del género, son exactamente los mismos; sólo cambian las apariencias.

En el caso del ordenador, el truco del paso de manivela es llevado al extremo: la unidad elemental manejada, el píxel, es mucho más pequeña que el fotograma, el resultado es que el animador tiene el control total tanto del espacio -el objeto filmado- como del tiempo -el movimiento de las imágenes. En el futuro, el abaratamiento de costes permitirá una aplicación generalizada en investigaciones científicas, en la generación de gráficos y recursos para la educación, en simulaciones de todo tipo, y en campos en los que, como suele suceder, las aplicaciones aun están por llegar.

Diversos tipos de animación

Existen numerosas formas de animación, que dependen de la creatividad de los animadores y de la técnica o de los objetos que se utilicen.

Dibujo animado

Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910. Usaron láminas transparentes sobre las que animaron a sus personajes sobre el fondo. Más tarde, al técnica se agilizó mediante los dibujos realizados en computador, pues existen programas que asisten a la creación de los cuadros intermedios.

 Stop motion

Cuando la animación no entra en la categoría anterior, del dibujo animado, se llama stop motion, en la que se le da vida a objetos de todo tipo, maquetas, objetos a escala, muñecos, sean articulados o de plastilina, tomadas de la realidad mediante fotografía o filmación. Para ello se utiliza la grabación «fotograma a fotograma» o «cuadro a cuadro», cuyo iniciador fue Segundo de Chomón con su llamado «paso de manivela». Cuando lo que se animan son recortes, cartón, papel o fotografías, se llama Animación de recortes (cutout animation).

En la animación con plastilina o con otros materiales moldeables, las figuras se van transformando o moviéndose en el progreso de la animación paso a paso. es un proceso muy laboriosos que requiere fidelidad a los tiempos determinados y a la credibilidad de los movimientos, en ocasiones ojos y boda de muñecos, para cuando sea proyectada a veinticuatro imágenes por segundo. Cualquier materia que pueda ser fotografiada, puede utilizarse para ser animada: arena, agua, agujas, etc. Actualmente, los ordenadores facilitan la tarea.

Stop trick (literalmente «truco de parar»)

Tipo de efecto especial cuando se filma un objeto y, mientras la cámara está apagada, el objeto se coloca fuera de la vista de la cámara y entonces se vuelve a encender. Al ver la película al espectador le parece que el objeto desaparece.

Georges Méliès descubrió el stop trick accidentalmente cuando estaba rodando el tráfico de una calle de París. El mecanismo de la cámara se atascó; el tráfico siguió moviéndose normalmente pero la cámara dejó de rodar hasta que Méliès pudo arreglar el mecanismo. Más tarde, al proyectar la película, quedó atónito al ver a un ómnibus transformarse de repente en un coche fúnebre. Lo que realmente había sucedido es que el ómnibus se había movido fuera de plano tras atascarse la cámara y había sido reemplazado por el coche fúnebre cuando ésta siguió rodando. Méliès usó esta técnica para filmar trucos de magia. Por ejemplo, podía filmar a un mago y su chica ayudante; el mago hacía un gesto y Méliès paraba la cámara. Luego le decía a la chica que se pusiera fuera de la vista de la cámara y empezaba a rodar de nuevo. Al ver la película completa, parecía que la chica había desaparecido tras el gesto del mago.

Esta técnica no debe confundirse con la técnica stop motion, en el que se crea la totalidad de lo rodado fotograma a fotograma.

Recambio de piezas

La técnica de «recambio de piezas», «replacement animation» (animación por reemplazamiento, o por sustitución). El sistema de captura es básicamente el mismo que el del stop-motion convencional, pero los muñecos empleados aquí, normalmente tallados en madera, no poseen partes móviles, sino piezas intercambiables. Consiste en crear tantas piezas como movimientos o expresiones vaya a necesitar el personaje. Un ejemplo fácil de comprender es diseñar diferentes cabezas –con una sonrisa, triste, enfadada…- e ir colocando la cabeza que corresponda en el momento adecuado del plano. Las piezas se elaboran previamente siguiendo la animación esbozada en papel, y luego en vez de mover los miembros de los muñecos, lo que se hace es reemplazar las piezas. De esa forma un sencillo movimiento podría requerir un gran cantidad de piezas, en torno a las 20.

Puppertoons

El termino Puppertoons fue acuñado por Geor Pal y su socio Dave Bader, se compone de los términos puppet –marioneta- y cartoons –dibujos animados-. Ya que se trataba de animar las marionetas siguiendo la técnica clásica de animación de los dibujos, o sea, una figura del personaje diferente para cada fotograma.

Film directo

Se denomina así al que directamente se dibuja, raya, se pinta o se compone sobre el mismo celuloide. Len Lye, neozelandés, fue un pionero. En ocasiones, como en el caso de Norman Mclaren, dibujaba también la banda sonora.

Pixilación

Se denomina pixilación a una variante del stop-motion, en la que se animan personas u objetos cotidianos. Para ello se fotografía repetidas veces desplazando ligeramente el objeto. En el caso de personas se suprimen secciones de una filmación con el fin de crear una sensación diferente. Norman McLaren fue pionero de esta técnica (utilizada con anterioridad por Emile Cohl), empleada en su corto animado A Chairy Tale, en el que da movimiento una silla o su cortometraje Vecinos, Neighbours (1952), en el que dos personas realizan movimientos muy complicados. Norman McLaren también experimentó con el dibujo directamente sobre le celuloide, tanto de las imágenes como la realización de la misma banda sonora. Ver McLaren

Rotoscopía

Disney animó a Blancanieves en momentos de cierta complicación, bajada de escaleras, bailes, y a otros personajes sobre la filmación de personas reales. El equivalente en infografía es la técnica llamada motion capture.

Animación limitada

Es un proceso de creación de dibujos animados que disminuye la cantidad de cuadros por segundos. En vez de realizar la animación de 24 imágenes por segundo, muchos de esos cuadros son duplicados, se usa arte abstracto, simbolismo, repetición de fondos y de movimientos para crear el mismo efecto por lo que el dibujo se hace más imperfecto, pero abarata mucho los costes. Un ejemplo característico son los Picapiedra.

Animación flash

Flash es un programa de edición multimedia con varias finalidades crear animaciones, contenido multimedia, juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y de hecho muchas productoras están en la actualidad realizando trabajos de animación en 2-D con este sistema para páginas web y sitios web multimedia.

Animación en 3D

Hace referencia a un tipo de animación que simula las tres dimensiones. se realiza mediante un proceso denominado renderización, que generar una imagen de 2D desde un modelo de 3D. Así podría decirse que en el proceso de renderización, la computadora «interpreta» la escena en tres dimensiones y la plasma en una imagen bidimensional.

Foto-realidad

Consiste en trasladar al mundo virtual de la forma más realista posible el mundo real. Una película realizada con esta técnica fue Final Fantasy, en 2002, de Hironobu Sakaguchi que, aunque fracasó comercialmente, quedará como una herramienta con la que investigar en el futuro.

Animación motion capture y performance capture

La «Performance Capture» es un avance recientes de las técnicas de captura de imagen por ordenador. Se podría traducir como captura de la interpretación, cuando la «Motion Capture», el sistema anterior, en el que se basa, era la captura de algunos movimientos del cuerpo mediante sensores que son interpretados por un ordenador. Ver cine siglo XXI.

La prehistoria de la animación. La animación antes del cine (Ver: Pre-cine)

En las manifestaciones artísticas, desde que se conocen, la especie humana ha intentado representar la ilusión del movimiento, en las pinturas rupestres, o en el arte egipcio y griego, o las sombras chinescas. Sin embargo, fue Anthonasius Kircher el que en 1640 inventó la Linterna mágica, con la que proyectaba diversas fases de un movimiento mediante grabados en cristales, que cambiaba de forma mecánica.

En 1824, Peter Mark Roget descubrió el «Principio de Persistencia de la Visión», fundamento en el que se basan todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día. Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo y el Dr. John Ayrton Paris puso a la venta en Londres el taumatropo. Primer juguete óptico que explota la persistencia de la imagen sobre la retina, compuesto de un disco y de hilos vinculados a las extremidades de su diámetro. Sobre cada cara hay un dibujo; al hacer girar sobre un eje el disco, se ven simultáneamente los 2 dibujos.

En 1828, Joseph Plateau (Belgica, 1801-1883) estableció que una impresión luminosa recibida sobre la retina persiste 1 de segundo después de la desaparición de la imagen; concluye que imágenes que se suceden a más de 10 por segundo dan la ilusión del movimiento (el descubrimiento del principio de persistencia de las impresiones retinianas se remonta al siglo II.).

Dos personas, no se sabe quien lo hizo antes que el otro, inventaron las primeras ruedas de este tipo en 1832. Simon Ritter von Stamfer, de Viena, en Austria, que le llamó Stroboscopio, y el mismo Joseph Plateau, que le llamó Phenakistoscopio. Estos fueron los primeros instrumentos capaces de crear la impresión de una imagen que se movía realmente.

Mientras tanto, nació la fotografía, sin la cual no existiría el cine. Hacia 1852, las fotografías comenzaron a sustituir a los dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas. A medida que la velocidad de las emulsiones fotográficas aumentó, fue posible fotografiar un movimiento real en vez de poses fijas de ese movimiento.

En 1877, el francés Émile Reynaud, logró mayor flexibilidad en el movimiento aparente de las figuras con el Praxinoscopio, un tambor giratorio con un anillo de espejos colocado en el centro y los dibujos colocados en la pared interior del tambor que al girar parecían cobrar vida. Lo aplicó al «teatro praxinoscópico» en el a través de una combinación de espejos se movían tenues figuras luminosas. Permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público, y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892, tres años antes de la primera sesión pública de cine, hasta finales del siglo XIX. Las representaciones se hacían en el Museo Grévin de París con películas que duraban unos 10 min. y en las que empleaba ya las bases de la moderna animación, dibujando los personajes sobre papeles transparentes para evitar la repetición de fondos.

James Stuart Blackton

Segundo de Chomón

Emile Cohl

George Méliès

Cecil Hopworth

Charles Bowers, y los dibujos de Harry Fisher

Wladislaw Starewicz

Pat Sullivan y Otto Messmer

Los pioneros de la animación cinematográfica

El año oficial del nacimiento del cine es el 1895, pero el nacimiento del cine de animación se produjo unos diez años más tarde, en 1905. Fue ese año cuando Segundo de Chomón realizó El hotel eléctrico, 1905, quizá la primera animación de la historia, aunque la historia oficial, escrita sobre todo por anglosajones y franceses, dice que este honor corresponde a La casa encantada,  The haunted house, 1907, del inglés afincado en los Estados Unidos James Stuart Blackton. En 1907, Chomón realizó para los hermanos Pathé, Los Ki ri ki, uno de los primeros films coloreados con un sistema ideado por el propio Chomón. Lo cierto es que el honor del primer film de animación se lo disputan los cineastas Stuart Blackton, norteamericano, Segundo de Chomón, español, y Emile Cohl, francés.

James Stuart Blackton (1875-1941), ilustrador y periodista,  rodó en 1900 The enchanted drawing, una de las primeras producciones de animación, muy imitada por sus contemporáneos, en la que realizaba dibujos de  rostros rápidamente en una pizarra, donde los personajes cambiaban de expresión por medio de trucos de sustitución. En 1906 realizó Humorous Phases of Funny Faces, por algunos considerado el primer dibujo animado de la historia, puesto que los movimientos de los personajes se consiguen por la sucesión rápida de los fotogramas. En un cortometraje Haunted Hotel, 1907, puede verse una mesa bien servida en la que los cubiertos se mueven solos, en donde se utilizó la técnica del stop motion e se introdujo la animación de objetos en tres dimensiones. A ese film le siguió otro, The Magic Fountain Pen ,1909, en el que una pluma animada con vida propia traza dibujos sobre un folio blanco. Blackton tenía grandes contactos con con Albert E. Smith, Edison y los fundadores de la Vitagraph.

Segundo de Chomón (1871-1929). El gran invento de Chomón fue el mecanismo de control del paso de la manivela de la cámara mediante el cual se podía trucar el tiempo y el movimiento de les imágenes. Fue el punto de partida de todo el cine de animación y en el que se sustenta hasta la actualidad. A partir de este descubrimiento (stop-motion), desarrolló un aparato la «cámara 16», que filmaba imagen por imagen con la que realizó sus más arriesgados proyectos. Hizo El hotel eléctrico, producida en 1908 por la Pathé, tal vez inspirada en El hotel embrujado (1906) de Stuart Blackton. Entre lo más significativo de la obra de Chomón en cuanto a la animación está La poule aux oeufs d'or (1905), basado en la fábula de La Fontaine,  en los que figura un cuadro de gallinas que se convierten en bailarinas gracias al paso de manivela, un huevo transfigurado en murciélago y otro que alberga la cabeza de un demonio. En La maison hantee (1906) narra una pesadilla mediante transparencias y sombras chinescas, en Le Theatre du Bob (1906) utiliza muñecos articulados que luchas a esgrima, boxean, y  hacen gimnasia. En muchos otros film Chomón utilizó su creatividad para trucar utilizando sus sistemas de paso de manivela, coloreado y otros.

Emile Cohl. Fue dibujante de cómics. Desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados,  viendo los trabajos de Chomón, Méliès y Blackton, sobre todo La casa encantada de este último, e imaginó nuevas posibilidades para aquel tipo de cine. Con la misma técnica del registro fotograma a fotograma, realizó Fantasmagorie (La pesadilla de Fantoche), film que tiene el valor de abrir la animación al campo del grafismo y que se considera la primera película de dibujos animados y el primer personaje al cual se le consagraría más de un filme. Entre 1908 y 1921, Cohl realizó 250 animados, todos inspirados por la filosofía del grupo de Los Incoherentes, quienes estaban convencidos de que la locura, las alucinaciones, los sueños y las pesadillas eran la mayor fuente de inspiración estética. Combinó personajes de carne y hueso con animados en Clair de lune espagnol, realizó en Estados Unidos la serie de los Snookums, y de regreso a Francia, en 1918, Los pies niquelados. También hizo Los alegres microbios (1910-1911), La lámpara que humea, filmes de trucos a partir de conferirle falsa movilidad a los objetos, Las cerillas animadas, y una versión de Fausto con muñecos.

 Billy Bitzer, (1874-1944), utilizaba el stop motion para hacer que bustos y estatuas aparezcan riéndose y hasta fumando, en The Sculptor’s Nightmare. Pero su popularidad se debe a dos grandes cualidades: sus continuos experimentos durante las filmaciones o toma de fotografías que marcaron el camino de futuros directores y directores de arte y su asociación con Griffith. A Bitzer, conmsiderado el primer director de fotografía de la historia del cine, se deben numerosos inventos técnicos y procedimientos de filmación que hicieron avanzar el lenguaje cinematográfico.

George Méliès (1861-1938). Utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación. Fue un famoso Mago a fines del XIX y llevó a la pantalla alguno de los trucos que le hicieron popular en los escenarios. Algunas de sus películas de este periodo ofrecen trucajes conseguidos al rodar ciertas escenas fotograma a fotograma.

Cecil Hopworth (1874-1953), en el RU. dirigió  The Electricity Cure, primera de una serie cuyos títulos son suficientemente expresivos: The Electrical Goose (1905), The Electric Hotel (1906), The Electric Belt (1907), Liquid Electricity (1907), The Electric Servant (1909) y The Electric Vitaliser (1910), plagados de efectos de animación.

Pionero indiscutible de los dibujos animados fue Winsor McCay que era caricaturista y autor de cómics en el New York Herald y que se sintió atraído por el espectáculo cinematográfico, por lo que comenzó a experimentar con los dibujos animados. Realizó todos los dibujos del film Little Nemo (1911), que el llevaron cuatro años. inspirado en su historieta Little Nemo in Slumberland. Hizo también Gertie the dinosaur (1914), que realizó él mismo cartón por cartón, y que contenía diez mil cuadros. El filme consolidó su técnica de animar los movimientos intermedios entre dos posiciones extremas. Jersey Skeeters (1916), El hundimiento del Lusitania (1918) -Ver documental animado- y The dream of a rarebit friend (1921), títulos esenciales en la historia de estas técnicas.

John Randolph Bray (1879-1978) fue el primero en darse cuenta de las posibilidades industriales del dibujo animado. En 1903 creó la serie Little Johnny and His Teddy Bears. Fundó unos estudios y produjo varias películas, entre las que destaca Colonel Heeza liar's african hunt (1914). Fue quien desarrolló la técnica de acetato trasparentes superpuestas (Cel-Systems), que fue una revolución en la realización de dibujos animados y que se ha mantenido hasta la era de la informática. El cel systems es atribuido a Bray y también a Earl Hurd. Ambos se unieron y formaron la Bray-Hurd Process Company. En 1919 dirigió el primer animado bicromático The Debut of Thomas Cat, pero el procedimiento se juzgó demasiado caro para uso comercial.

El personaje de Krazy Kat, un divertido felino creado en 1910 por George Herriman para una de las principales cabeceras de Hearst, el New York Journal, pasó a formar parte del mundo del cine en 1916, en que se realizaron varios cortos, de unos tres minutos de duración, acerca del personaje. Poco después, influidos por el éxito de este felino, un ejecutivo de la compañía Paramount Pictures, John King, contrató a dos dibujantes de cómics, Pat Sullivan y Otto Messmer para que realizaran una película protagonizada por un personaje inventado por Sullivan, el gato Félix. Su primera película fue Feline Follies (1918).

Dignos de reseñar son Arnaldo Ginna, 1890-1982, pintor, escultor y director de cine italiano, que creó la técnica de pintar directamente sobre celuloide, que luego adoptarán Len Lye y Norman McLaren. Opinaba que el color y las formas podían mostrarse igual que los motivos musicales de una pieza. Wladislaw Starewicz, en La venganza del camarógrafo (1912), una obra maestra del stop motion con figuras en tercera dimensión, en este caso escarabajos disecados. Wladislaw Starewicz, llamado en Francia Ladislas Starewitch, realizó en Francia en 1927  La cigale et la fourmi y La reine des papillons.

El canadiense Raoul Barre fundó su propio estudio y desarrolló una técnica de animación basada en el rasgado y recortado para lograr diversos niveles en la imagen. Charles Bowers, llevó a la pantalla las historietas creadas por Harry Fisher para diversos periódicos, en Mutt and Jeff (en español Benitín y Eneas), que se mantuvo como figura protagónica del dibujo animado hasta bien avanzados los años veinte. La serie incluyó unos 500 animados, y finalizó en 1928.

En España, tras los experimentos de Segundo de Chomón, la primera película íntegramente animada española, fue El Toro Fenómeno, de diez minutos de duración, realizada en 1919 por Fernando Marco, cinta que podría haber sido la primera de una prometedora serie que nunca se produjo dadas las dificultades de explotación con las que tuvo que enfrentarse su autor.

Félix el gato

El Gato Félix y los dibujos animados que incluían al personaje disfrutaron de un enorme éxito en los años 1920 y se mantuvieron hasta 1930 con una breve resurrección en 1936. Félix el gato no superó los avatares que en el cine se sucedieron con la revolución del color y el sonido y fue superado por la factura de otros estudios, como Disney , pues no pudo competir con Mickey Mouse.

Los orígenes de Félix son cuestionados. Pat Sullivan, caricaturista y empresario de cine de origen australiano y el animador estadounidense Otto Messmer han afirmado ser los creadores, y la evidencia parece sostener ambas demandas. Muchos historiadores, sin embargo, incluyendo John Canemaker, afirman que fue Sullivan quien plagió a Messmer. Lo que es seguro es que el gato salió del estudio de Sullivan, y los dibujos animados que incluían al personaje disfrutaron de un enorme éxito en los años 1920. Paramount Pictures distribuyó las primeras películas entre 1919 y 1921. Margaret J. Winkler distribuyó los cortos entre 1922 y 1925, el año en que Educational Pictures asumió el control de la distribución de los cortos. En 1928, Education dejó de sacar los dibujos animados de Félix y muchos fueron reemitidos por First National Pictures. Copley Pictures lo distribuyó desde 1929 hasta 1930. Tuvo una breve resurrección en 1936 por Van Beuren Studios, pero la gloria de los viejos tiempos desapareció durante el breve paso del gato por el color y el sonido.

Felix el gato, la primera imagen que fue difundida por una emisora de televisión

La consolidación del cine de animación en todo el mundo

El dibujo animado fue siempre a la par con las técnicas de animación, ya en 1914 el pintor franco-ruso-finlandés Leopold Survage, compañero de alojamiento y correrías de Modigliani,  convenció a la compañía Gaumont, para que el financiara una serie de películas de dibujo abstracto, semejante al dibujo animado. El alemán Hans Richter, tal vez influido por el anterior, realizaba cortometrajes experimentales abstractos, como Rhythmus 21 (1921). La animación norteamericana se concentró en Nueva York hasta finales de los años veinte y principio de los treinta. La Guerra Mundial abatió las escuelas de animación y preparó el predominio norteamericano, una situación que se confirmó luego de la II Guerra Mundial.

Lotte Reiniger, fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania a partir del teatro de sombras, personajes opacos sobre fondos blancos, como Las aventuras del príncipe Ahmed (1926), el primer largometraje de dibujos animados que se conserva. (El primer largometraje de animación fue mudo y argentino, El Apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines. En Suecia, en 1916, se realizó la serie Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl. El británico Anson Dyer, realizó John Bull’s Animated Sketchbook (1920), Three Little Pigs (1922) y Little Red Riding Hood (1923).

 Windsor McCay, en 1918, realizó el que es considerado el primer documental animado, The Sinking of the Lusitania, con 25 000 cuadros, en un estilo muy realista, en el que debió poner documentación e imaginación para relatar un hecho en el que no había imágenes fotográficas.

En las primeras décadas del siglo XX se hicieron películas como Symphonie diagonale (1921-24), de Vicking Eggeling, mediante recortes en estaño creaba relaciones rítmicas entre formas y líneas geométricas simples mediante la proporción, las relaciones numéricas y la intensidad lumínica, a partir de las cuales surgía algo así como una música lumínica para los ojos. Es de destacar  igualmente Emak Bakin (1926), de Man Ray, dadaísta y más tarde uno de los fundadores del surrealismo. Ambos abrieron un camino que, con el tiempo, seguirían otros cineastas.

En Japón, a partir de experimentos de varios dibujantes procedentes de la historieta o de las artes plásticas, surgió un interesante movimiento de animación que se inició con algunos experimentos en el año de 1914, pero fue en 1917 Oten Shimokawa, quién realizó el primer corto animado de 5 minutos titulado Imokawa Mukuzou (El Portero).  También e 1917, Junichi Kouchi realizó un corto titulado Hanahekonai Meitou no Kani (El sable nuevo y flamante), y Seitarou Kitayama, realizó Sarukani Gassen (La guerra de monos y cangrejos). Kitayama, trabajó en animación hasta que en 1918 logró el primer éxito mundial de la animación japonesa con Momotarou (El Chico Durazno). Noburu Ofuji, en 1927, realizó Kujira, La ballena en papel semitransparente, cuyo resultado recuerda las siluetas de Lotte Reiniger. En 1952 rodó remake de La ballena. Yasuji Murata empleó acetatos en El hueso del pulpo, 1927, donde recreó un mundo de animales antropomórficos. En 1931 Kenzo Masaoka realizó sonora, Chikara to onna no yo no naka, El mundo del poder y de las mujeres, primer animado sonoro japonés, en el que utilizó parcialmente celuloide, muy caro en Japón en aquellos momentos. En 1935, Mitsuyo Seo, uno de los grandes pioneros en animación del país, que había sido dibujante para Kenzo Masaoka, realizó varias películas propagandísticas en torno al conflicto chino-japonés

Mickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación, a partir del cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt Disney y Ub Iwerks (quien diseño a Mickey), comprendieron la importancia de los dibujos animados en el cine y, a pesar de su dificultad y los riesgos económicos, apostaron por esa vía cinematográfica. El éxito de Mickey Mouse, protagonista de Steamboat Willie (1928), les lleva a investigar y a superar las miles de dificultades, aplicar sonido y efectos de todo tipo, combinar personajes animados y actores reales, que consiguen con la serie de cortometrajes que inicia Alice in Wonderland (1923), y que que perfeccionaron con el tiempo, sobre todo al inventar la cámara multiplano, desarrolada por Iwerks, que  siempre estuvo más preocupado de las innovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí, fundamental para obtener una profundidad de campo, que sirvió para aumentar el realismo de la producción de dibujos animados en el futuro. Fue Blancanieves y los siete enanitos (1937), una de las primeras películas de dibujos animados de metraje largo, la que hizo conocer en el mundo entero  la posibilidad del dibujo animado como cine que podía competir con cualquier otra película.

En los mismos tiempos, los hermanos Dave y Max Fleischer, competían en las pantallas  con Disney, con personajes tan populares del comic norteamericano como Betty Boop y Popeye. En 1916 comenzaron la serie Out of the Inkwell (Fuera del tintero), protagonizada por el payaso Koko, que se hizo hasta 1930. En largometraje hicieron Los viajes de Gulliver, Gulliver's Travels (1939), en el que utilizaron el rotoscopio, un aparato inventado por ellos en 1915, con el que mejoraban los movimientos de los dibujos animados y que fue utilizado posteriormente por muchos animadores. El rotoscopio permite diseñar imágenes a partir de referencias filmadas en vivo y reimprimir la película y, por tanto, que aparezcan juntos personas y objetos reales con dibujos animados. Disney lo utilizó en Blancanieves y los siete enanitos y puede ser considerado un precursor de la técnica de captura de movimiento digital. Los Fleischer realizaron animaciones educativas: The Einstein Theory of Relativity (1923) y Darwin’s Theory of Evolution (1925), películas didácticas. En 1924, los hermanos Fleischer le dieron forma a The Song Car-Tunes, donde se animaban canciones de moda, con el texto subtitulado y una bolita que permitía seguir la letra por donde iba el cantante. En 1930 presentaron el personaje de Betty Boop en Dizzy Dishes, creado por Grim Natwick, el mismo que animó a la Blancanieves de Disney. En 1937 realizaron Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor, rodada en plataformas o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres dimensiones sobre los cuales se colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes. En 1939 realizaron su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr. Bug goes to Town (1941). A principios de los cuarenta hicieron la serie de Superman, en la que introdujeron abstracciones y una serie de elementos realistas.

Paul Terry, pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, realizó su serie más famosa: Aesop’s Film Fables. y sobre todo a partir de los años veinte, en la Paramount: Ugly Ducking (1925), Dinner’s Time (1928), el primer dibujo animado sonoro, Queen Bee (1929), The Bull Fight (1935), The Mouse of Tomorrow (1942). Produjo cerca de 1.300 dibujos animados hasta 1955, entre ellos los Terrytoons.

Walter Lantz, autor de cómics, pasó a colaborar como animador en los Estudios Bray y posteriormente creó una compañía para el desarrollo de dibujos animados, primero para el cine y más adelante destinados a la televisión. Uno de los personajes más conocidos de Walter Lantz es el Pájaro Loco. En 1924 produjo la serie de Dinky Doodles. Más tarde con la Universal, convirtió en héroe al conejo Oswald, Oswald the Lucky Rabbitt. Oswald había sido creado por Disney pero perdió los derechos sobre su comercialización.

En 1925, Willis O’Brien animaba figuras en tercera dimensión, con modelos de arcilla, con la técnica del stop motion. Realizó los efectos especiales da varias películas importantes, la más famosa de ellas el gorila a animado de King Kong que, aunque aparentaba en la gran pantalla una altura de quince metros, era en realidad un muñeco articulado de alrededor de 45 centímetros de envergadura. King Kong, 1933, fue  dirigida por  Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack.

El neozelandés Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The color box (1935), una técnica retomó Norman McLaren, otro influyente autor de cortometrajes experimentales. Por su parte, el ruso Alexander Ptushko empleó personas y marionetas flexibles para rodar El nuevo Gulliver (1936).

Ub Iwerks, separado de Disney, abrió su propio estudio en 1930, adaptó el cuento The Brave Tin Soldier, de Hans Christian Andersen, para sus Comicolor Cartoons. Más tarde pasó a la Warner (hasta 1940). Fue el creador de Jack and the Beanstalk (1933), Don Quixote (1934), Aladdin and the Wonderful Lamp (1934), Humpty Dumpty (1935), The Three Bears (1935), Ali Baba (1936), The Frog Pond (1938) y otros.

Las Silly Symphonies de Disney, melodías animadas con personajes, fueron imitadas en varias ocasiones. En 1930 nacieron los Warner Brothers Cartoons con el corto Sinking in the Bathtub. Harman, Ising y Freleng, habían sido colaboradores de Disney y, dirigidos por Leon Schlesinger crearon los Looney Tunes. En 1934, se hizo la primera Merry Melody en colores de la Warner, pues los Looney Tunes fueron en blanco y negro hasta 1943. En los años cincuenta, los ejecutivos de la Warner decidieron quemar casi todos estos filmes, pues necesitaban espacio de almacenaje. I Haven´t Got a Hat, primer éxito de Porky Pig, dentro de las Looney Tunes, firmado por Fritz Freleng. En 1931, se crearon las Merrie Melodies, cuyo primer film fue Lady Play Your Mandolin.

En 1932, el checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un corto eminentemente político, radical y revolucionario, que presenta a la idea como algo que no puede ser destruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a base de pinceladas gruesas y sombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y negro. Dura media hora, con partitura de Arthur Honegger, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo. Utiliza técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas, que también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel recortado, y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que simulan profundidad. Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el corto L'Idée, pues los nazis destruyeron toda su obra, depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.

Oskar Fischinger, un pintor abstracto alemán que debió emigrar a EEUU, realizó en 1930 dos primeras partes de la serie Studie (hasta 1932), con una técnica que denominó animación absoluta, donde combina la geometría con la música. Hizo películas en colores Muratti Marches on y Composition in Blue, en 1936. Colaboró en la realización de Fantasía, de Disney, cuyo segmento no fue incluido en el montaje final y, a finales de los años cuarenta, realizó las famosas Motion Painting I y II, imágenes geométricas para animar música clásica.

En Francia, Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto a Claire Parker, en 1932, Une nuit sur le Mont Chavre, inspirado en música de Mussorgski. Se animaban una serie de alfileres, fotografiados cuadro a cuadro. Los alfileres, sobre tela, con la luz alumbrando en unos perfectos 45 grados, las sombras de los alfileres creaban sombra o luz, negro o blanco. Si los alfileres se sacaban, generaban sombra y la pizarra quedaba negra, si los alfileres se metían, la pantalla quedaba blanca.

En Rusia, en 1934, Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la animación soviética. El mercado lo valorizó de tal manera que se le empezó a conocer como «el Disney de Rusia». La mayoría de sus temas se basan en cuentos tradicionales rusos, tomando referencias de la poesía local, los bordados, las tallas y la arquitectura. Los trabajos más conocidos en Occidente de los primeros años son El zar Durandai (1934), La cigarra y la hormiga (1936) y Los tres mosqueteros (1938). Iván Ivanov-Vanó siguió como director de prestigio hasta los años 50 del siglo XX. Alexander Ptushko realizó en 1935 El nuevo Gulliver, que combina figuras reales y animados en tercera dimensión (muñecos moldeados en cera). En 1939, realizó el filme de marionetas La llave dorada.

En 1935, Len Lye, neozelandés, admirador de Oskar Fischinger, realizó Color Box, una de las primeras obras maestras de la animación, Pintaba directamente sobre el celuloide, sin necesidad de cámara, sincronizados con una canción popular de Don Baretto. Una mesa de expertos de animación en el festival de Annecy de 2005 lo consideró como una de las diez obras más importantes de la historia de la animación. Su técnica la heredaría Norman McLaren. Más tarde realizó con el mismo sistema Kaleidoscopio (1936), Rainbow Dance (1937) y Trade Tatoo (1938). En Free Radicals Lye (1958), utilizó película negra sobre la que rascaría dibujos sobre la emulsión.

En 1936, Tex Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky. Más tarde hizo también el personaje de Duffy Duck y las Gold Diggers, 1937. Robert Clampett continuó con el personaje de Porky, y creó al canario Tweety, Piolín en español. Chuck Jones debutó con The Night Watchman, 1938, muy influido por Disney. Poco después creó el personaje de Sniffles, un ratoncito parlanchín. En 1940 definió el personaje de Bugs Bunny, junto a Chuck Jones, Bob Clampett, Fritz Freleng y Frank Tashlin. En contraposición a los estilos Disney, Tex Avery realizó Red Hot Riding Hood, que comienza como una versión común de Caperucita roja hasta que los personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar, como una revisión del cuento clásico, con exageraciones que hicieron que algunas partes de la película y el final, fueran censuradas. Realizó más tarde King Size Canary (1947) y Bad Luck Blackie (1949).

En España se produjeron intentos de producir animación, como los del caricaturista Ricardo García López, conocido como K-Hito, entre los cuales destaca Francisca, la mujer fatal de 1933, y los de Joaquín Xauradó, dibujante que hizo famoso su perrito y que realizó dos interesantes películas: Un drama en la costa y El Rata primero, que hizo en colaboración con K-Hito.

 En 1943, los hermanos Whitney, John y James, llamaron a su cine, cine puro, vinculado a las vanguardias cinematográficas y más cercano a la fotografía y al movimiento que la llamado cine de animación. Realizaron el film Five Abstract Film Exercises. En 1941 habían realizado Variations, a partir de los movimientos de las bandas sonoras, y en 1957, los Whitney consiguieron los primeros gráficos analógicos por ordenador.

 George Pal, húngaro, fue el precursor de las películas realizadas por Steven Spielberg y George Lucas. En 1940 inició la serie de los Puppetoons, contratado por la Paramount, que revolucionó la animación tridimensional por el empleo de la técnica del recambio de piezas (ver arriba).

En 1945, en Estados Unidos, un grupo de dibujantes y creativos separados de la Disney constituyeron la UPA (United Productions of America) decididos a realizar cosas diferentes. Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum. Mr Magoo, creado por Peter Burns, fue una de las estrellas de la UPA.

Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl.

Lotte Reiniger

Seitarou Kitayama

Betty Boop

Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor

El pájaro loco

Alexandre Alexeieff y la animación con alfileres

Iván Ivanov-Vanó

Berthold Bartosch, L'Idée

Oskar Fischinger

Puppetoons

Len Lye. Free Radicals Lye

Bobe Cannon,, Robin Hoodlum

Len Lye. El film directo

«El neozelandés Len Lye es un artista que escapa a la catalogación dentro de las vanguardias de comienzos del siglo pasado y que sin embargo participó en ellas con su obra pictórica, escultórica y cinematográfica. Pintura, esculturas cinéticas y películas animadas fueron los soportes elegidos por este "nuevo salvaje" (fascinado por el arte primitivo y aborigen) para plasmar la esencia del movimiento.».

  (De la Web del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona)

Su película de 1935, A colour box, un anuncio de embalaje barato, fue el primer filme directo proyectado ante una audiencia. En Free Radicals Lye utilizó película negra sobre la que rascaría dibujos sobre la emulsión. El resultado es un danzante patrón de líneas y marcas, tan dramático como el rayo en el cielo nocturno. En 2008, esta película fue incluída en el United States National Film Registry.

Lye experimentó con las posibilidades del cine directo hasta el final de su vida. En varios filmes utilizó un diverso rango de tintes, plantillas, aerógrafos, rotuladores, sellos, peines e instrumentos de cirugía, para crear imágenes y texturas sobre el celuloide. En Color Cry, emplearía el método del fotograma combinado con varias plantillas y materiales para crear patrones abstractos.

Pinocho

Blancanieves

Peter Pan

Fantasía

La dama y el vagabundo

El libro de la selva

Unicorn in the Garden

1001 Arabian Knights

Correcaminos

Mr. Magoo

Piolin

El gato silvestre

El punto y la línea

La pantera rosa

Huckleberry Hound

Charlie Brown Christmas

Yantra

Allures

Samadhi

Petit Soldat

Les Jeux de anges

The Battle of Kerzhenets

Surogat

Jan Lenica y  Walerian Borowczyk

Daniel Szczechura

Nino Pagot

Astro Boy

El cine de animación tras la Segunda Guerra Mundial

Tras la segunda Guerra Mundial se dio el gran desarrollo del cine de animación, que consolidó totalmente con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros.

Estados Unidos

Wal Disney. Finalizada la guerra mundial Disney se dedicó a todo tipo de cine. Aparte de los dibujos animados que siguió creando, realizó documentales y películas de aventuras con actores reales. En momentos de dificultades Disney decidió economizar e iniciar la producción de dos películas mucho menos ambiciosas. La primera de ellas, The Reluctant Dragon (1941), combinaba la acción real con tres cortos de dibujos animados. La segunda fue Dumbo (1941). Con los materiales recopilados durante una gira por América del Sur, Disney hizo dos largometrajes: Saludos, amigos (1943) y Los tres caballeros (1945), Canción del Sur (1946), en la que se mezclaban los personajes de carne y hueso con los dibujos animados. La Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955), que fue el primer Disney en cinemascope marcaron nuevos tiempos para Disney. En la primera intentó recrear antiguos esplendores. Las restantes están llenas de momentos inolvidables. La bella durmiente (1959) marcó el final de otra era de los estudios Disney, pues fue la última película dibujada totalmente a mano, un proceso enormemente costoso que se vio sustituido en 101 dálmatas (1961) por otro más barato, aunque menos creativo, el llamado Xeroxed. Posteriormente la compañía abordó la producción de películas de muy diverso contenido. Merlín el encantador (1963), Mary Poppins (1964), en el que se intercalaban y convivían personales reales con los animados y El libro de la selva (1967), con las que el estudio conoció triunfos como los de épocas pasadas.

United Productions of America (UPA). Walt Disney soportó en 1941 una huelga de animadores que supuso la huida de varios de sus mejores dibujantes, entre ellos Stephen Bosustow, uno de los creadores de la UPA, que funcionó desde 1943,  y John Hubley, en desacuerdo con el estilo ultrarealista de Disney. Influenciado por la obra de Chuck Jones, comenzaron a promover la idea de que la animación debía seguir con mayor libertad en la búsquedas de nuevas formas de expresión artística. Bosustow prefiere un tipo de dibujo esquemático, muy caricaturesco, expresivo y muy alejado de los parámetros realistas tan apreciados por Disney y quienes le siguen siendo fieles. Durante la II Guerra Mundial, la UPA hizo cortometrajes de propaganda pero, acabada la guerra, su futuro era incierto. Ya no había demanda de propaganda, y algunos de sus socios abandonaron la compañía. La Columbia Pictures contrató a la UPA como estudio de animación y se comenzaron a realizar cartoons para el público general. Su personaje de lanzamiento fue Mr. Magoo, un anciano al que su miopía le hace pasar por las peripecias más complicadas. Los miembros de la UPA deseaban diferenciarse del resto de los estudios, sobre todo de Disney, la Warner y MGM, por lo que en 1951 hicieron más libre y personal su estilo gráfico, buscando relatos más modernos y menos convencionales. Comenzaron con Gerald McBoing-Boing, de Robert Cannon, en 1953 realizaron Unicorn in the Garden, de Bill Hurtz, nominado al Oscar, y al año siguiente es premiado When Magoo Flew. En el mismo año hicieron The Tell-Tale Heart, una adaptación de Edgar Allan Poe que utilizaba técnicas y estilos nuevos de dibujo para profundizar en los estados psicológicos de los personajes. La UPA fue vendiendo paulatinamente sus estudios a la TV, hasta 1959 en que Paul Terry vendió los Terrytoons a la CBS. El primer y último largometraje fue 1001 Arabian Knights, que cerró ese año las puertas.

Chuck Jones y Friz Freleng fueron animadores, caricaturistas, guionistas, productores y directores, y sus trabajos más importantes los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Chuck Jones obtuvo un Oscar por su cortometraje The Dot and the Line, El punto y la línea (1965) y otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica. Fue uno de los primeros en incorporar la técnica de animación limitada, rompiendo así con la influencia de una animación más detallada y trabajada por parte del estudio de Disney, adoptando un estilo que sería posteriormente conocido como «estilo UPA», que abarataba los costes aunque hacía mucho más imperfecto el dibujo. Sus creaciones más populares son Pepé Le Pew y El Coyote y el Correcaminos (Road Runner). En 1953, utilizó la técnica de las 3-D en Lumber Jack Rabbit, el único cortometraje animado de Warner Bros que ha incorporado dicho efecto. Es considerado por muchos como un maestro en la caracterización y la coordinación de las imágenes. Friz Freleng introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes, Speedy Gonzales y La pantera rosa. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Fue encargado de crear la secuencia al comienzo de la película La pantera rosa. El personaje se volvió tan popular que en 1964, con un cortometraje para United Artists, obtuvo un premio Oscar. En 1957, Chuck Jones y Fritz Freleng realizaron What´s Opera Doc?, de la que algunos historiadores afirman que es una obra maestra. Es un resumen de seis minutos de El anillo de los nibelungos en un cartoon que parodia la Fantasía de Disney. En 1963, Fritz Freleng dio vida a La pantera rosa para los créditos de un filme de Blake Edwards; luego se convertiría en una serie de animados que estaría en pleno auge diez años después.

Tex Avery, en 1948, en la MGM, trabajando junto a Hanna y Barbera,  creó personajes tan famosos de los años cuarenta y cincuenta como Chilly-Willy The Penguin y Droopy The Dog. Cuando cerró Cierra el departamento de animación de la MGM,  William Hanna y Joseph Barbera fundaron la Hanna-Barbera Productions, que trabajó con muchísimo éxito para la TV. En 1955 fueron nominados al Oscar por los cortos Good Will to Men (1955) y One Droopy Knight (1957). En 1959 crearon la serie de los Huckleberry Hound, con la que ocupan los principales espacios televisivos al poco tiempo, viéndose en todo el mundo. Influenciados por la UPA, siguieron la técnica de animación limitada, de figuras un tanto envaradas y fondos muy sencillos. Realizaron más de 100 películas, y sus personajes, The Flintstones, Yogi Bear, Huckleberry Hound, Pixie y Dixie, Top Cat, y muchos otros, se hicieron famosos en todo el mundo.

Charles M. Schulz. En 1950 nace la serie de los Peanuts, que logró veinte años de éxito mundial para el animador , quien en 1969 comenzó la secuela Charlie Brown y sus amigos. Bill Meléndez continuó la serie en TV y realizó varias secuelas para cine: Charlie Brown Christmas (1965), Charlie Brown Thanksgiving (1973), entre otras.

James Whitney, en 1955, siguiendo los pasos de su hermano John, realizó Yantra. El término yantra proviene del sánscrito, del prefijo yan, que significa concebir y por antonomasia, concepción mental. En un complicado sistema de formas ópticas se planteaba evocar el ascenso espiritual. Además de Yantra, otras obras como; Catalog (1961) de John Whitney  o Lapis (1963-66) de James Whitney, son pioneras en la aplicación del ordenador elaborando las imágenes fotograma a fotograma.

En 1961, Jordan Belson, representante de la Visual music, establece la animación vanguardista a partir de la manipulación de luces y la toma continua. Realiza Allures (1961), Samadhi (1967), Light (1973), Fountain of Dreams (1984) y Epilogue (2005) que representan abstracciones orgánicas en perpetuo movimiento, entre otras, muy en la línea de Lye, McLaren y los hermanos Whitney.

Canadá

El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a Canadá en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno de los principales animadores experimentales y abstractos de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips.

Francia

En 1947, el cortometraje Petit Soldat, de Paul Grimault, consagra internacionalmente a la animación francesa, al alcanzar el premio máximo en Venecia, compartido con un corto de Disney. En 1949 se produjo mucho para la TV, sobre todo Jean Image, ilustrador de cuentos infantiles, que hizo varios largometrajes: Jeannot l’intrepide (1949), Las fabulosas aventuras del barón Fantástico (1979), Aladino y la lámpara maravillosa (1985), y famosas series como Joë chez les abeilles (1960). El más interesante largometraje animado lo produjo en 1950 Paul Grimault, La pastora y el deshollinador, que transformó y amplió en 1979 en Le roi et l’oiseau.  En 1963 el ruso Alexandre Alexeieff hace en Francia Le nez, inspirada en Gogol. En 1964, el polaco Walerian Borowczyk realiza en Francia Les Jeux de anges.

Checoslovaquia

En los países del bloque soviético, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo. Jiri Trnka, (ver recuadro) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo, sobre todo en la animación con marionetas. Consagró, con más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, lo que se denominó «estilo checo» de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por la cantidad y calidad de sus films y su gran influencia en una infinidad de animadores posteriores fue denominado el Walt Disney de la Europa del Este. En 1950, Bretislav Pojar hizo La cabaña de mazapán, y en 1953, Un vaso de más, animación de títeres contra el abuso del alcohol. Karel Zeman, realizó  Inspiración (1947), El rey Lavra (1951), El tesoro de la isla de los pájaros (1953), Viaje a la prehistoria (1955), etc. y en 1958, combinando  actores reales y animaciones, hizo La invención diabólica, inspirada en Julio Verne. En 1959, Baron Munchausen, imitaba el estilo de los grabados de Doré, en 1977, Historia de una locura y Aprendiz de brujo, en 1977. Un animador de marionetas, Jan Svankmajer hizo La última broma (1964), Jardín (1968), Dimensiones del diálogo (1982) y Diario de Leonardo (1988).

Rusia

Iván Ivanov-Vanó, llamado el Walt Disney soviético, hizo en 1946, tras tres años de trabajo, el primer largometraje animado soviético, El caballito jorobadito, una de las obras maestras de la animación. Los negativos del filme se extraviaron y, en 1975, Ivanov-Vanó realizó una nueva versión. Adaptó algunos cuentos rusos: Snegurochka (1952), La liebre valiente (1955), La aventura de Burattino (1959) y muchos otros.  En más de 50 años de dirección de cine animado, realizó interesantes películas como  The Snow Maiden, 1953, basada en la obra de Ostrovsky, y Once Upon a Time (1963), The seasons, 1964, basada en la música de Tchaikovsky, es una interpretación imaginativa y colorista de los paisajes de Rusia. Pero la más poderosa y mejor diseñada de sus películas es The Battle of Kerzhenets (Secha pri Kerzhentse), 1971, basada en la leyenda de la ciudad invisible de Kitezh de Rimsky-Korsakov. La película es una fusión de los antiguos iconos rusos, transparentes, brillantes y de elegante diseño, y el ritmo de la música, haciendo un excelente uso del tiempo y el espacio y los aspectos dinámicos. Lev Atamanov realizó La bella y la bestia (1952) y La reina de las nieves (1957), en una línea que pudiera llamarse neoclásica y que influiría notablemente a Miyasaki.

Yugoslavia

La escuela de Zagreb. «La característica esencial de la Escuela de Zagreb es que no intentamos imitar a los demás. Nuestro poder está en nuestra imaginación y en la habilidad de expresarla dibujando» (Dusan Vukotic). En 1956, con El robot juguetón, de Dusan Vukotic, se inicia la producción del Estudio de Zagreb, en Yugoslavia, que a la vuelta de unos años ganaría prestigio mundial por su prioridad a los principios de la plástica contemporánea y su estrategia de animación reducida. En 1961 realizó Surogat, que logró el Óscar al Mejor Cortometraje de Animación en 1961, primer no estadounidense en conseguirlo. En la Escuela de Zagreb donde también estuvieron Vlado Kristl, Aleksandar Marks, Nikola Kostelac y Boris Kolar.

Polonia

Antes de Jan Lenica y de Walerian Borowczyk el cine de animación era un género poco valioso en Polonia considerado únicamente como diversión para niños y desprovisto de aspiraciones artísticas, ideológicas y filosóficas. En 1957, ambos dieron consistencia, contenido y arte al cine de animación en Érase una vez., mediante una novedosa técnica de collage y de empleo de sonido de modo asincrónico y con fines satíricos. Combinan el dibujo y el collage (cut-out stop-motion) con imágenes reales, introducen el humor negro, gags surrealistas y una técnica nueva basada en la repartición del guión en escenas. En 1958 realizaron la obra surrealista La casa (1958), en el que utilizan una gran variedad de estilos, materiales y técnicas,  collages, deformación de movimientos y animación de objetos. Laberinto y Los rinocerontes son dos de las películas de Jan Lenica, que trabajó durante tres años para realizar Adán II. Borowczyk aportó el pertubador Theatre de M. Mme Kabal (1967) sobre la deshumanización del mundo moderno. Ambos salieron del país, uno, Lenica, para afincarse en Alemania y el otro, Borowczyk, en Francia. Witold Giersz es una de las grandes figuras del cine animado polaco, sobre todo de miniaturas e incluso de pintura al óleo, con El secreto del viejo castillo (1956); Epigrama de neón (1959); El pequeño oeste (1960); La espera (1962), premiado en Cannes, Moscú y Edimburgo. Daniel Szczechura es la revelación desde el estudio Se-Ma-For y con el taller de la Academia de Bellas Artes de Varsovia. Dirigió Conflicto (1961), Primero, segundo y tercero (1964), En la calle (1966), Castillo en el bosque (1971), Arena (1973), El problema (1977), Fatamorgana I y II (1981-1983), Historia de una mala época (1997).

Italia

Francesco Guido, de seudónimo Giba, creó el primer corto de animación italiano de la postguerra (L’ultimo sciuscia). Después, alternaría su trabajo como animador con la labor de historietista: Menenio e i petrolieri (1961), Le Papillon (1962), Il racconto della giungla (1973), Il nano e la strega (1974), Scandalosa Gilda (1984), Kim (1994), etc. 1960. Se estrena I paladini di Francia, de Giulio Gianini y Emanuele Luzzati, los principales animadores de títeres y marionetas en Italia. Ambos directores serían nominados al Oscar por La gazza ladra (1964) y Pulcinella (1973). En 1949, en el Festival de Venecia se presentaron los dos primeros largometrajes italianos de animación: I fratelli Dinamite (de Nino Pagot) y La rosa di Bagdad, de Antón Domeneghini.(Información de Miradas audiovisuales https://www.eictv.co.cu/miradas)

Japón

En 1947, Kon Ichikawa realizó la adaptación de la pieza de teatro kabuki Una muchacha en el templo de Dojo, con títeres. En 1959, Osamu Tezuka trabajó en el largometraje Diario del oeste, modernizó el manga y consiguió convertirlo en un fenómeno de masas, fue el pionero de la animación televisiva, para la cual realizó la primera serie de dibujos animados vista en Japón. Además de Astro Boy (presentado en 1961) fue el creador, en los años sesenta y setenta, de Kimba, el león blanco, Jungle Taitei, Blackjack, Memory, Broken Down Film, Cyborg 009, El pájaro de fuego y muchas otras. En 1963, se impuso la animación surrealista y experimental del japonés Yoji Kuri: Locus, Face, Amor, Discovery of Zero, The Chair, son cortos de este año, seguidos por Samurai (1965), The Eggs (1966), Flower (1967), Imagination (1969) y Midnight Parasite (1977). Información de Miradas audiovisuales https://www.eictv.co.cu/miradas)

España

En 1945, se hizo Garbancito de la Mancha, dirigida por Arturo Moreno, el primer largometraje de animación netamente español, realizado en plena posguerra y periodo de penuria y escasez, de manera artesanal, por lo que significó todo un acontecimiento para los niños de todo el país. Garbancito, de trasfondo quijotesco, lucha contra las fuerzas del mal encarnadas en la Tía Pelocha y el gigante Caramanca, para salvar a su cabrita Peregrina y a sus amigos Quiriqui y Chirili. Las aventuras continuaron en 1948 con Alegres Vacaciones, realizada por Arturo Moreno y dirigida por José María Blay. En la animación española nació La familia Telerín, de Juan Luis Moro, quien realizaría en el 72 La calabaza Ruperta, del programa televisivo 1, 2, 3.

Hablo de "Garbancito de la Mancha", una película española de dibujos animados, de 1945, la primera que recuerdo haber visto en el cine, en Sevilla, tenía yo unos cuatro años. Como casi todo el cine que he visto con interés, ha formado parte de mi vida. Mi madre me la contaba después, por eso entre las imágenes y los cuentos la tuve presente años. Mucho tiempo después la encontré en video en una editorial en Madrid, en la Calle Ferraz, la vi con emoción, la estudié y escribí algo sobre ella en la Web. Y en las redes todo se conoce, y recibí una de las grandes sorpresas de mi vida. Un matrimonio ya muy mayor se puso en contacto conmigo a través del correo electrónico. Ellos, entre otros 30, habían dibujado y coloreado en la película, a las órdenes de José María Carnicero, pionero de la animación española. Casi todo el equipo de dibujantes había sido preso, o expedientado al finalizar la guerra civil, y salían de la cárcel para dibujar. El matrimonio me preguntaba dónde había visto la película, pues ellos, a pesar de haberla dibujado, nunca la habían visto por su condición de presos franquistas. Les propuse copiarla y enviarla y les di la dirección de la editorial por si la encontraban. Y la encontraron. Quise entrevistarlos en aquel tiempo, pero no lo logré, eran muy mayores y no se prestaron. El guión de la película está basado en el cuento de un falangista muy conocido, Jaime Parera, y la historia posee un mensaje subliminal notable favorable al franquismo, las arengas contra los malvados se hacen siempre en nombre de Dios, en un lenguaje muy parecido al del régimen de Franco. Enrique Mz-Salanova. 2018.

Garbancito de la Mancha. Cine español de la posguerra

Dirigida por Arturo Moreno y producida en los estudios barceloneses de Balet y Blay, en 1945, es el primer largometraje de animación netamente español, realizado en plena posguerra y periodo de penuria y escasez, de manera artesanal, por lo que significó todo un acontecimiento para los niños de todo el país (es la primera película que vi en mi vida). El guión está basado en el cuento de un falangista muy conocido, Jaime Parera, y la historia posee un mensaje subliminal notable favorable al franquismo (las arengas contra los malvados se hacen siempre en nombre de Dios, en un lenguaje muy parecido al del régimen).

Sin embargo, el hecho de su realización supone un hito en el dibujo de animación y en el equilibrio con el sonido, impensable con los medios que se tenían en la España de la posguerra. Entre dibujantes, animadores y técnicos, hubo varios represaliados por el franquismo por sus sospechas de republicanismo.

Garbancito, de trasfondo quijotesco, lucha contra las fuerzas del mal encarnadas en la Tía Pelocha y el gigante Caramanca, para salvar a su cabrita Peregrina y a sus amigos Quiriqui y Chirili. Las aventuras continuaron en 1948 con Alegres Vacaciones, realizada por Arturo Moreno y dirigida por José María Blay.

Dalí con Disney en Destino, 1946

En 1945, Dalí conoció a Walt Disney y firmó un contrato para un cortometraje de animación de pocos minutos de duración que debía combinar ballet y dibujos animados. El proyecto, titulado Destino, quedó entonces truncado por diversos problemas, entre ellos la crisis económica que siguió al final de la II Guerra Mundial. Se ha rescatado y completado recientemente con el centenar largo de escenas, dibujos y pinturas conservadas y siguiendo las instrucciones y los esbozos del artista.

Es, básicamente, una historia de amor entre Dahlia y Chronos, que se sirve de las imágenes y del simbolismo de Dalí para indagar en la naturaleza de las relaciones humanas.

Dalí adaptó la técnica de escritura automática a la pintura, una forma de creación particularmente apropiada para la animación, ya que permite mezclar y ensamblar libremente imágenes salidas directamente del inconsciente. En el filme se mezclan bailarinas, jugadores de béisbol, hormigas convertidas en bicicletas, tortugas gigantes y la Torre de Babel, no sigue una trama lógica, y deja gran parte del argumento en manos de la imaginación del espectador. Dalí siempre decía: «Si lo entendéis, he fracasado».

La animación hasta 1980

La vida del cine de animación se mantuvo, a pesar de la influencia de la televisión, trasladándose a otros canales de distribución, y los cortometrajes animados desaparecieron de los cines, salvo los grandes largometrajes de Disney, que hasta la última década del siglo XX, fue reticente a cambiar los cines por otros canales de distribución como el vídeo o más tarde el DVD. Sin embargo, al cine de animación prosperó, se tecnificó y se especializó, fundamentalmente en los festivales de cine y el la televisión. En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la animación para televisión y Disney la animación para cine.

Hanna-Barbera. William Hanna y Joseph Barbera, ambos hijos de inmigrantes libaneses, trabajaron juntos por primera vez en el estudio de animación de Metro-Goldwyn-Mayer en 1939, cuando aparecieron Tom y Jerry. La productora Hanna-Barbera introdujo la animación limitada, popularizada por UPA (United Productions of America), como un método para reducir el costo de producción. Esto contrajo una reducción en la calidad de la animación. Se especializaron en la animación para televisión por la que ganaron ocho premios Óscar. Sus series animadas más características son Loopy De Loop, The Huckleberry Hound Show, The Yogi Bear Show, Tiro Loco McGraw, Don Gato, Jonny Quest, Los Supersónicos, y especialmente Los Picapiedra. En 1969, estrenaron uno de sus personajes más populares: Scooby Doo, que se transformaría en uno de los programas de televisión (ABC) más vistos de toda la historia.

Filmation, una empresa norteamericana, produjo teleseries basadas protagonizadas por personajes famosos del cómic y de la literatura: Flash Gordon, Tarzán, el Zorro, Batman y Robin, entre otros.

Ralph Bakshi. A través de sátira y comentarios políticos Ralph Bakshi, con sus primeras películas pertenecientes al movimiento underground, abrió el camino a la animación para adultos, en la que fue pionero, en ocasiones con la técnica de la rotoscopia, por la que dio calidad en movimientos y dibujo. Realizó la primera adaptación de El Señor de los Anillos (1978), con técnicas de rotoscopia, y películas como Cool World (1993) que mezcla imagen real con dibujos animados. También creó animaciones para adultos como Fritz el gato (1972) basado en el personaje de Robert Crumb.

Las industrias de Europa del Este y la URSS, se convirtieron en las más potentes del mundo: la producción fue enorme en volumen y variedad, desde las series de televisión para niños hasta los cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales. En 1965, el dibujante de historietas Nedeljko Dragic dirigió su primer corto, Elegía, exploración en un mundo absurdo, lleno de humor, dentro de la llamada Escuela de Zagreb. Dragic continuó con los cortos Domador de caballos salvajes (1966), Strip-tease (1969), La puerta (1970) y Tup Tup, de 1972, que obtuvo una nominación al Oscar. De entre los muchos artistas importantes, el más famoso es el checo Jan Svankmajer, que trabaja con muñecos, utilizando la técnica de stop-motion. No obstante, ha empleado también actores reales, máquinas, figuras de arcilla, muñecas antiguas, esqueletos de animales y otras muchas cosas. Consigue crear un clima de pesadilla. Algunos de sus largometrajes son Neco z Alenky (Alice, 1988, basado en «Alicia en el país de las maravillas», de Lewis Carroll, Faust (Fausto, 1994) y en los últimos tiempos Otesánek (2000, y Sílení (2005). Ha influido mucho en cineastas actuales como Tim Burton o Terry Gilliam.

En Japón es de destacar Osamu Tezuka, pionero del cómic actual japonés (manga) y de los dibujos animados nipones (anime). Creó su propia empresa, Mushi Productions, y con ella la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom (Astroboy). Más tarde Janguru Taitei (Kimba el león blanco), que rodaría más tarde Disney con el nombre El rey león, y Ribbon no Kishi (La princesa caballero).

En Europa occidental se hicieron películas los logros fueron más puntuales: películas como Yellow Submarine (El submarino amarillo, 1968),  de George Dunning, un largometraje de animación cuyos personajes principales representan a The Beatles. La original estética de los dibujos, con colorido  y estética entre naïf y psicodélica, emanó del estilo y el trazo de Heinz Edelmann, un conocido ilustrador y diseñador alemán. Hace una panoplia de homenajes a pintores como los relojes blandos de Dalí, los bombines y las manzanas de Magritte, y a personajes del cine como Frankenstein o Marilyn Monroe. En Francia continuó el ruso Iván Ivanov-Vanó que estrenó Se puede, No se puede, seguido por La leyenda del gigante malvado (1968), Ave María (1972), El lago mágico (1979) y La fábula del zar Saltán (1984), que cierra su filmografía. René Goscinny se inspiró en la famosa historieta francesa de Asterix El Galo para concebir series de televisión, largometrajes para cine y recopilaciones en video y DVD.

Bruno Bozzetto es un famoso animador de nacionalidad italiana creador de muchos cortometrajes, principalmente de naturaleza política o satírica. En 1965 realizó su primer largometraje animado, West and Soda, parodia de los western americanos. En 1968 hizo VIP, mio fratello superuomo, en donde parodiaba el género de superhombres. Su personaje más famoso, es el Signor Rossi, protagonista de siete cortometrajes animados, y del que se llegaron a realizar tres películas: El Sr. Rossi busca la felicidad (1976), Los sueños del Sr. Rossi (1977), y Las vacaciones del Sr. Rossi (1977). Su trabajo más conocido es Allegro non troppo, 1976, un montaje a base de trozos de sus cortos, aplicados a la música clásica a la manera de la Fantasía de Disney. En 2002 hizo Mammuk, un filme animado sobre el cine en épocas prehistóricas. En la actualidad está haciendo cortometrajes satíricos con la técnica del flash.

René Laloux ejercitó de manera conjunta la direccion de películas de animación y la pintura, en un desbordante universo en el que cualquier fantasía era posible. En 1960, hizo su primera película de animación, en el estudio de Paul Grimault, Les dents du singe (Los dientes del mono), un cortometraje escrito y dibujado por un grupo de enfermos de la clínica psiquiátrica de Cour Cheverny, de la que era director. Con el grafista Roland Topor hizo tres películas: Les temps morts (Tiempo muerto, 1964), Les escargots (Los caracoles, 1965), y La planète sauvage (Planeta salvaje, 1973), con el que ganó el Grand Prix del Festival de Cannes. Con el dibujante de comics Moebius hizo Les maîtres du temps (Los amos del tiempo, 1982), y con Philippe Caza, el cortometraje Comment Wang Fo fut sauvé (Cómo fue salvado Wan-Fo, 1988) y el largometraje Gandahar (Caza para Gandahar, 1988). En 1979, El rey y el pájaro, Paul Grimault, realizó uno de los mejores animados de todos los tiempos, inspirado en Andersen.

En el cine de animación canadiense, además dentro de la continuación de las actividades del National Film Board of Canada y de Norman Mclaren, en 1970, Frederic Back, una de las leyendas del cine de animación canadiense, consiguió su primer gran éxito internacional con Abracadabra (1970), seguido de Inon ou la conquete du feu (1971), La creation des oiseaux (1973), Illusion (1974), Tout Rien (1979, nominado al Oscar y Crac, 1983, que fue seleccionada como una de las seis obras maestras de la animación en la Olimpiada de este disciplina, celebrada en Los Angeles. Caroline Leaf alcanzó fama internacional con The Street, en pintura sobre cristal. Dirigió más tarde The Metamorphosis of Mr. Samsa (1977) y Le tigre et le renard  (1986).  (Obtenida en Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)

En 1975, Garri Bardin, ruso, que fue director del teatro de marionetas, realizó El fin del cielo. En la década de los 80 realizó animación tridimensional de objetos, títeres y marionetas de diversos materiales: El lobo gris y la caperucita roja (1990). En 1980, Yuri Norstein presentó El cuento de los cuentos, considerada una de las mejores película de animación jamás realizada.

En España, se realizó en 1965 El mago de los sueños, protagonizada por la familia Telerín, de Francisco Maciá, quien junto a Cruz Delgado y José Luis Moro se convirtieron en los puntales de la animación española, junto a Maite Ruiz de Austri, la autora de El regreso del viento norte (1995) y La leyenda del unicornio (2001).

Los Picapiedra

Ralph Bakshi, El Señor de los anillos

Yellow Submarine

Bruno Bozzetto

La planète sauvage

Crac

El mago de los sueños

El cine de animación en occidente en las últimas décadas

El cine de animación ha conocido un desarrollo sin precedentes. La caída del telón de acero logró además que muchos animadores de los países del este pasaran por todo el mundo aportando su experiencia.

Disney continuó en EEUU con sus momentos de esplendor, con películas como La Sirenita, (The little mermaid, 1989, de John Musker y Ron Clements y La bella y la bestia (Beauty and the Beast, 1991) , de Trousdale y Wise, y  y su decadencia, al mismo tiempo que crecía una pequeña entidad, Pixar, de John Lasseter que de ser una desconocida empresa infográfica experimental en los años 80 pasó a ser la más importante productora de animación del mundo, con películas tan bien acogidas como Toy Story, Bichos, Monstruos S.A., etc. En 1991 Pixar y Disney unieron fuerzas e hicieron varios largometrajes en común. En 2004 Pixar y los estudios Disney rompieron sus relaciones, hasta que en enero de 2006 Disney adquirió Pixar Animation Studios y cedió el control de su estudio de animación a los directores creativos de Pixar.

Frederic Back, canadiense, en 1988, realizó L´Homme qui plantait des arbres, con el que ganó abundantes internacionales y el Oscar al mejor cortometraje de animación del año; después hizo Le  Fleuve aux grandes eaux (1993), que recibió el gran premio en el Festival de Annecy y también fue nominado al Oscar.

Brad Bird, un animador educado en la serie Los Simpson, realizó en 1999 El gigante de hierro (The iron giant), película que está a la altura de las mejores películas de dibujos animados. Está ambientada en en plena paranoia de la Guerra Fría, y cuenta la historia de un niño que hace amistad con un robot venido del espacio, un relato lleno de ternura basado en  un relato que que el poeta Ted Hughes escribió para consolar a sus hijos de la muerte de su madre. es una película independiente hecha con pocos medios para lo que el cine de animación suele utilizar.

Pesadilla antes de Navidad  (Tim Burton's The Nightmare Before Christmas, 1993) de Henry Selick, está basada en un poema de Tim Burton, que había trabajado con Disney . Fue producida por él mismo, está realizada con muñecos de látex y tiene todos los elementos característicos del cine de Burton. El guión y los derechos estaban desde hacía años en manos de la Disney, por lo que Burton volvió a la compañía para poder realizarlo. Aunque tuvo mala recaudación y fue muy criticada en su momento, actualmente es una película de culto. Mástarde hizo, en 2005 y con el mismo sistema, La novia cadáver, Tim Burton's Corpse Bride. El estilo de Burton es de influencias góticas, llenas de romance y fantasía. En ocasiones  relatan las vivencias de personajes lisiados, fenómenos, seres excluidos de la sociedad o personajes populares que no se logran sentir en concordia con su estatus social. Actualmente está trabajando en Alicia en el País de las Maravillas, adaptación de la novela infantil y contará con la técnica «3-D» y «Performance Capture» en su rodaje, y su siguiente proyecto será un remake de su cortometraje, Frankenweenie, el cual habrá de adaptar en un filme «3-D» acompañado de la técnica «stop-motion».

Bill Plympton realizó varios cortometrajes y dos largometrajes de cierto interés, Me casé con un extraño (I married a strange person!, 1997) y Mutant aliens (2001). Bill Plympton es un frenético humorista, que realiza sus dibujos de forma muy artesanal, de gran expresividad y tintes surrealistas y bastante duros y gamberros, con escenas fuertes de sexo y violencia.

En Francia, Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y calidad notables. Tras trabajar con Disney, que no le sedujo, probó diversos estilos. Los tres inventores (1980) es un largometraje realizado con papel blanco recortado y blondas de pasteles. Su infancia en Guinea, Africa, la reflejó en Kirikú la Bruja, 1998, y Kirikou et les bêtes sauvages (2005), que le llevaron a la fama. Realizó también Princes et princesses (1999) y Azur & Asmar (2004), ambientada en Oriente, sobre la inmigración y la integración entre culturas.

Sylvain Chomet es un animador francés influenciado por el surrealismo de Svankmajer y los dibujos de Walt Disney, conoció a Didier Brunner, el productor de Las Trillizas de Belleville, con los que trabajó desde Canadá. En 1995 dirigió La Vieille Dame et les Pigeons con Nicolas de Crécy, con los que recibió varios premios y estuvo nominado al Oscar y al César. En 2002 dirigió Leon La Came y más tarde continuó con la producción de Las trillizas de Belleville. Su estilo tiene mayor influencia de la cámara que de la animación, y está basado sobre el mimo y la interpretación de los personajes.

Pascal Morelli, aunque nació en parís, trabajó muchos años como animador en  Los Ángeles y Tokio y trabajó en storyboards para largometrajes. En 1994, dirigió las series de dibujos animados The busy world of Richard Scarry, para Paramount, Arsene Lupin para France Animation, y Calamity Jane para Warner Bros-Kayenta. Admirador de Hugo Pratt, realizó en 2002 Corto Maltesse: La cour secrète des Arcanes.

En el Reino Unido, la productora Aardman Animations (dedicada principalmente a animación con plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes (especialmente la saga de Wallace y Gromit, de Nick Park). Nick Park, británico, creo los personajes animados en plastilina de Wallace y Gromit, por ejemplo  Wallace y Gromit: la maldición de las verduras (2005) y colaboró en varios proyectos ganadores del Óscar de Hollywood. En 2000 dirigió Evasión en la granja, Chicken Run .

Siguiendo la tradición de la animación con marionetas, el checo Jan Werich, realizó el largometraje titulado Fimfárum, 2002, una moraleja humorística acerca de la vida de los hombres, que reúne cinco cuentos de varios libros conocidos, divertidas parodias sobre el destino del ser humano. Werich influyó en varios animadores checos, Petr Poš y Martin Velíšek.

Como animador cubano hay que destacar a Juan Padrón, dibujante de historietas, que comenzó a trabajar en el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industrias Cinematográficas) en 1974 como director de dibujos animados. Creó las series de animados Filminuto y Quinoscopio, esta última en colaboración con el humorista argentino Quino, creador de Mafalda. Su primer largometraje, en 1979, fue Elpidio Valdés y el segundo, Vampiros en La Habana, en 1985.

La animación japonesa en los últimos tiempos

Tras Osamu Tezuka, el anime japonés se ha convertido en la industria más prolífica del planeta, popularizándose en todo el mundo. Las series de televisión son innumerables, y siempre van unidos el cine, la televisión y el cómic, en cualquiera de sus dos facetas, el «shojo manga», o relato romántico para el público femenino, y el «mecha», o historia de robots, por lo general repleta de escenas de lucha y devastación. Es frecuente que cuando una compañía desarrolla una nueva línea de cómics (los llamados manga), tenga presente su adaptación a dibujos animados (anime), que se emitirán en forma de teleserie, serán vendidos en vídeo o llegarán al cine en forma de largometraje. y siguen siendo la atracción principal para millones de aficionados. La fuerza, tras unos años de inactividad del cine japonés, llegó de la mano de Nausicaa del valle del viento de Hayao Miyazaki y Akira (1998) de Katsuhiro Otomo, sin olvidar al animador independiente Koji Yamamura, que combina la escultura en barro con figuras tridimensionales, fotografía, crayola y multimedia, mezclando técnicas y tendencias como el puntillismo y minimalismo, y que ha logrado un gran reconocimiento en Occidente, ni a Akira Toriyama el responsable de la moda del manga y el anime con la producción Dragonball (1986-1989). Para llevar a dibujo animado la historieta de Osamu Tezuka, Metrópolis, se unieron dos directores, Rintaro y Katsuhiro Otomo, en un cuento adulto de ciencia ficción, donde no falta el barroquismo urbanístico high-tech.

El anime se caracteriza en general, aunque hay obras de mayor complejidad, por la sencillez de su trazo, la estructura narrativa lineal y una tecnología basada en la economía de imágenes, lo que hace el proceso de elaboración relativamente rápido, que los convierte en productos baratos en los mercados internacionales. Se han dado así coproducciones importantes para televisión con los países occidentales, como Heidi (1974), Vickie el vikingo (1974-1975) y Las aventuras de la abeja Maya (1975-1976), con la empresa alemana Bastei Verlag, Ulises 31 (1988) con el estudio francés de Jean Chalopin y Las aventuras de Sherlock Holmes (1984-1985) con Radiotelevisión Italiana (RAI).

El camino del cine digital actual de animación

Desde la última década del siglo XX, el gran cambio que ha sufrido el cine de animación se debe a la inclusión de ordenadores en el proceso técnico y creativo de las películas. La primera secuencia en la que se utilizó el ordenador para su crear un diseño y ambiente que diera la idea de que la cámara se movía en todas las direcciones, fue en 1991, en el baile de La bella y la bestia. desde entonces, la tecnología digital ha entrado de lleno en la realización de películas animadas, facilitando la tarea de diseñadores y creativos y finalizando casi por completo la animación tradicional.

Toy Story, la primera película realizada totalmente por ordenador, en 1995, la produjo Disney y la realizó la compañía especializada Pixar, con un rotundo éxito comercial que dio vía libre a todo un mundo de posibilidades creativas.

Hormigaz, Antz, (1998), la segunda película por ordenador, se realizó en los estudios Dreamworks, fundados por Steven Spielberg y el antiguo jefe de animación de Disney Jeffrey Katzenberg. Esta película compitió con el predominio de Disney y creó las bases para unos nuevos contenidos en el cine de animación.

Los dibujos animados, compiten en las últimas décadas entre esos grandes estudios, por una parte Disney-Pixar (que se unen y se desunen), con películas como Toy Story 2, Bichos, Monstruos S.A. o Buscando a Nemo, que ganó el Oscar a la mejor película de animación en marzo de este año y Dreamworks, con grandes éxitos de taquilla como Shrek y Shrek 2, que se ha convertido en la cinta animada más taquillera de la historia.

Mientras tanto otros estudio han iniciado su carrera por los dibujos animados: Fox, La edad del hielo y sus secuelas, Columbia, con Final Fantasy, Paramount, Jimmy Neutron y Warner, The Polar Express, de Robert Zemeckis.

En España, la empresa gallega Dygra Films, hizo su primera película El bosque animado, largometraje basado en la novela de Wenceslao Fernández Flores. Tras ellas, como se ve en otra parte de está página, otras productoras han hecho apuestas por un cine animado de calidad, realizados por excelentes profesionales, que compiten claramente en calidad y tecnología con productos de otros países.

La industria española del dibujo animado

He hablado más arriba sobre la película Garbancito de La Mancha (1945), realizada en época de estrecheces económicas. En el cine español de la posguerra siempre hubo excelentes animadores, José Luís Moro, por ejemplo, que creó personajes para la publicidad y la televisión, responsable junto a su hermano Santiago, del renacimiento de los dibujos animados en España a finales de los años 40; y desde que fundó Estudios Moro en 1955, junto a Movierecord, también de la publicidad animada para cine y televisión. Los Estudios Moro ganaron cinco años consecutivos tres Palmas de Oro de Cannes, dos copas en Venecia y más de cien premios internacionales de publicidad. Pero su inmensa popularidad se la deben a La familia Telerín y su mítico separador publicitario Vamos a la cama, reconocido como uno de los mayores hitos de televisión española.

Cruz Delgado fue ilustrador de historietas infantiles y realizó experimentos por su cuenta en el campo del dibujo animado. Trabajó en Estudios Moro y Belvision de Bruselas. En España fundó en 1963 una productora dedicada exclusivamente a la producción de películas de dibujos animados, siendo la primera de ellas el cortometraje titulado El gato con botas, premiada en el Certamen Internacional de Cine de Gijón en 1964 y en Gottwaldov (Checoslovaquia) en 1965. En 1968, para Televisión Española, realizó una serie de trece episodios sobre su personajes «Molécula». Realizó varios largometrajes, Mágica aventura, 1973, El desván de la Fantasía,1978, con el ilustrador José Ramón Sánchez, Los viajes de Gulliver, 1983, Los cuatro músicos de Bremen, 1988. Sin embargo, su aportación principal al cine de animación está en la serie que para televisión en 1978, coprodujo con José Javier Romagosa, 39 episodios sobre la obra de Miguel de Cervantes Don Quijote de La Mancha.

Se pueden añadir a la lista dos filmes rodados en Cataluña, Peraustrinia 2004 (1989), de Ángel García, una ingeniosa película sobre lo tranquila pero a la vez aburrida que puede ser una vida sin el toque mágico del azar, y Despertaferro, el grito del fuego (1990), de Jordi Amorós, en torno a la odisea de Llúria, un niño de doce años fascinado con la historia de los almogávares, y otros dos rodados en el País Vasco, La leyenda del viento del norte (1992), de Carlos Varela y Maite Ruiz de Austri, las aventuras de dos gemelos que viven en el pueblo ballenero de San Juan, y  El regreso del viento del norte (1993), de Maite Ruiz de Austri, con los mismos personajes que la anterior y similares aventuras.

Es esperanzador el futuro para los creadores que trabajan e investigan el cine digital, que cuentan con una demanda creciente. Son film de muy buena calidad técnica, realizados por una nueva generación de animadores. Desde El bosque animado, 2001, de Ángel de la Cruz y Manolo Gómez,  hasta Pérez, el ratoncito de tus sueños (2006), una coproducción hispanoargentina de Juan Pablo Buscarini, Nocturna (2007), de Adrià García; y El Cid, la leyenda (2003) y Donkey Xote (2007), ambas de José Pozo.

Dygra Films es un estudio de animación por ordenador fundado en 1987, situado en La Coruña, España, como un estudio de diseño gráfico. Su primer largometraje por ordenador fue El bosque animado, 2001, El sueño de una noche de San Juan, 2005, Espíritu del bosque, secuela de El bosque animado, 2008, Noche de paz, estimada para diciembre de 2009, El asno de oro, para 2011 y En busca de Oniria, estimada para 2012.

Jose Pozo, tras trabajar durante años en series de animación para televisión, se incorporó en 2000 al grupo Filmax para el diseño y desarrollo artístico de varios proyectos. Asumió en 2003 el guión y dirección de El Cid, La Leyenda y dirigió Donkey Xote, en 2007. Filmax hizo Nocturna y Donkey Xote (2007) y Pérez, el ratoncito de tus sueños (2008). Dygra,  hizo en 2008 la segunda parte de El bosque animado, que lleva por título El espíritu del bosque (2008), La crisis carnívora (2008), Forma Animada con Misión en Mocland, una aventura superespacial (2008), de Juan manuel Suárez. Kandor Moon realizó El lince perdido (2008), y La dama y la muerte, seleccionada para los Oscars 2010 en la categoría de mejor cortometraje de animación.

Dibujos animados con personajes para niños que se difunden por todo el mundo son Pocoyó (Zinkia), Bernard y  Sally McKay. Un éxito en todo el mundo ha sido Planet 51, 2009, de Jorge Blanco, en coproducción con RU, un éxito internacional que puede competir con Pixar. Tiene como protagonista a un astronauta estadounidense que aterriza en un planeta plagado de alienígenas con un estilo de vida semejante al de la década de los años cincuenta del siglo pasado.

Fernando Trueba y Javier Mariscal se unieron para realizar Chico y Rita, en 2010, dibujos animados para adultos, ganadora del premio Goya al mejor filme de animación, que narra la historia del pianista Chico y la cantante Rita, dos personalidades volcánicas que protagonizan una destructiva relación sentimental. La música juega un papel decisivo en el desarrollo de la trama. y forma parte de la historia de un modo muy íntimo, con Bebo, y piezas de Cole Porter, Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Chano Pozo.

Animación para televisión

Aunque la animación para televisión la ocupa prácticamente la japonesa, anime, hay que desatacar dos productos occidentales que han ocupado una gran parte del mercado.

Los Simpsom, realizados por Gracie Films para Twentieth Century Fox y Fox Network, cuyo creador es Matt Groening, que comenzaron como un breve espacio de 2' en el programa televisivo "The Tracey Ullman Show" en 1987. Se consolidó como serie autónoma en diciembre de 1989 aunque las transmisiones regulares no empezaron hasta enero de 1990. Es una imagen irreverente da la familia norteamericana, muy peculiar. A partir de ella se hace una crítica de toda la cultura occidental y sus valores.

South Park es una serie distribuida por Warner Bros. y transmitida por Comedy Central desde el año 1997 en Estados Unidos. Trata sobre las aventuras de cuatro niños que viven en el pequeño pueblo llamado South Park, Colorado. Es una crítica de muchos aspectos de la cultura estadounidense y de sus firmes creencias, con un lenguaje desenfadado.

El documental animado

Sheila M. Sofian define el documental de animación como «toda película animada que parte de materiales de no ficción».

Los historiadores sitúan el origen del documental animado en 1918, año en que el pionero Winsor McCay realizó El hundimiento del Lusitania, The sinking of Lusitania, recreación del episodio ocurrido en 1915, que recrea el ataque de un submarino alemán a un lujoso crucero Británico con 2000 pasajeros, que marcó la entrada de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y del que no se habían registrado imágenes documentales.

Siguiendo esta tradición en la animación y coincidiendo con el éxito de Nanook el esquimal, Nanook of the North, de Flaherty, considerado el primer documental de la historia, los hermanos Fleischers (Max, Dave, Joe, y Lou), inventores, animadores y hábiles comerciantes que rivalizaban con el poderoso Disney, produjeron el primer largometraje de animación, el cual fue precisamente de no ficción: Einstein´s Theory of Relativity, en 1923.

En el terreno de la animación experimental, John y Faith Hubley realizaron diversos cortos entre 1959 y 1973 que partían de la grabación de las voces de sus hijos. Wallace y Gromit, ha dedicado buena parte de su filmografía a encontrar una expresión animada para esas derivas del habla cotidiana que no suelen encontrarse en los estudios de doblaje: en sus series de cortos Animated conversations (BBC, 1978) y Conversation pieces (Channel 4, 1982), las voces grabadas de taquilleras de cine, pensionistas y presos inspiraban una sucesión de registros animados.

Algunos ejemplos cercanos en el tiempo son Late Edition (Peter Lord y David Sproxton, 1983) sobre un hombre que trabaja en la última edición de una revista y que utiliza grabaciones de gente y locaciones reales como bases. Grave of the fireflies (Isao Takahata, 1988) basada en la novela del japonés Akiyuki Nosaka y que narra, su experiencia infantil en los bombardeos de la segunda guerra, basado en hechos reales y personales. El corto Abductees (1995), de Paul Vester, que recreaba testimonios de supuestos abducidos por extraterrestres.

Otros documentales animados son Waking life (2001), de Richard Linklater, con sus diálogos filosóficos, o la autobiográfica Persépolis (2007), de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.

Vals con Bashir, 2008, de Goldman,  recupera en clave autobiográfica, la matanza sucedida en los campos de refugiados palestinos de Sabra y Chatila durante la guerra del Líbano. Chicago 10, de Brett Morgen, sobre el juicio a los Siete de Chicago, es un punto de inflexión en la historia de la contracultura americana. Ver cine siglo XXI

En Truth has fallen (Sheila Sofian, 2009), se combina animación e imagen real, para denunciar los casos de personas que han sido erróneamente encarcelados, mediante los recuerdos de esos falsos culpables, en clave de pesadilla.

El hundimiento del Lusitania (1918)

Persépolis (2007)

Vals con Bashir (2008)